Från Scratch - Äventyr i Oberoende musicerande

Vi har även vår egen konstnär profil på festivalens hemsida :)

Kommer att låta dig veta ASAP exakt vad natt / plats etc.

:)

Jag var inbjuden att delta i en telefonkonferens ikväll med Songwriters Association of Canada och Ariel Hyatt för att diskutera min erfarenhet av musik Framgång i nio veckor Blog Challenge , som en ny våg av utmanare sätter upp sina bloggar och få kugghjulen igång.

Du kan känna kontrasten av spänning och osäkerhet på linjen ... det är inspirerande. Så många människor som älskar låtskrivande och utföra så mycket att de söker sig till utländska (eller inte så främmande) område för att ta kontroll över sin online-närvaro. Så många frågor.

En av Ariel bästa råd. "Tror inte, jag bara" Ron Hynes gav mig samma råd om låtskrivande i somras under Sångstudio .

Det är så sant. Du måste följa intuitionen som fick dig till detta i första hand.

Dags att åter skriva min elevator pitch :)

Meghan

Förra året deltog jag i en session på bemästra under kanadensiska Music Week -konferensen i Toronto, Kanada . Rummet var packad, fylld med många oberoende konstnärer som var ivriga att lära sig några tips och tricks för att bemästra sin egen musik (som själv-inspelningen blir mer och mer möjlig och kostnaden med moderna tekniska utvecklingen).

Presentationen var mindre än tillfredsställande och jag var (tillsammans med många andra i publiken) frustrerad, men jag vet nu att det inte var fel av panelen. Vi har alla gått in där förväntar sig att få rådgivning, men från vad jag har lärt mig sedan dess är behärska en konst och en mycket individuell process, så många behärska ingenjörer är ovilliga att ge råd till ett rum av människor med olika öron och olika projekt med olika syften. Presentationen var egentligen handlar om att diskutera vikten och värdet av mastering, det inte var "hur man" session hade liksom många av oss hoppats.

Ungefär samtidigt träffade jag Karl Machat av Mister s Mastering House som senare skulle bli mastering ingenjör för min 2011 release, [Lark] Vi är alla födda nakna . Fast jag är angelägen om att lära sig om behärska för enkla hem inspelningar som jag kan skicka ut som freebies i mitt nyhetsbrev, kan inga tips och tricks ersätta erfarna öron en professionell som ett album behov, så jag valde Karl.

I sin tur var Karl vänlig nog att svara på några frågor om de steg som jag (och andra oberoende artister) kan följa för att bidra till att förbättra kvaliteten på våra egna behärskar hem inspelningar och hur man bäst förbereder våra spår för att skicka in till en mastering ingenjör, om vi väljer att gå den vägen.

Mastering Frågor från Meghan Morrison:

• Vi vet alla att behärska förbättrar kvaliteten på en inspelad låt / album, men vad är "mastering"?

Tekniskt vi bör kalla det "pre-mastering" eftersom mastering är vad som sker på cd-fabriken när glaset mästarna görs. Men det är förstås så att alla bara kallar det mastering! Bara för att få den biten ur vägen!

Mastering tar en samling låtar (t.ex. för ett album) och gör att de låter som om de verkligen hör ihop med varandra - att se till nivåer, ton och dynamik är jämn från låt till låt medan i åtanke stil spår. Mastering strävar efter en balans mellan sammanhållning och individualitet.

Mastering (när du anlita någon att göra det) är en chans att få ett ljud kritik av din mix innan du släpper lös det till världen, genom en ny uppsättning öron. Det är nästan omöjligt att få en klar uppfattning om hur du låter efter veckor och månader av arbete, såvida du inte lyssnar på den för, säg, 6 månader till ett år!

Ett annat övervägande för mastering är att se i genren är konkurrenskraftig med liknande musik på marknaden. Detta är mer av ett problem då behärska bara en enda låt.

Det finns ingen korrekt sätt att bemästra ett spår: det är ibland så mycket kreativa som tekniska.

Mastering tekniker innebär utjämning, kompression och begränsning - en väldigt lik blandning men i allmänhet mer subtila i sitt sortiment. Ibland förbättra processer används som rör och band mättnad. Andra saker inkluderar förbättra stereobilden, såsom mitten-sida tekniker - en specialitet för mig. Ta bort udda klick hum, är Buzz eller brus ofta också behövs. Redigerar medverkar också: trimning huvud och svansar av en musikfil, och skapa de rätta fade-outs och fade-ins.

Målet är att bevara de bästa delarna av en blandning. Mastering ingenjörer gör bara vad som behöver göras. Detta är en viktig punkt att komma ihåg och förstå: Ju bättre en blandning, desto mindre "mastering" Det kommer att finnas i slutresultatet.

Men det finns tillfällen då en OK-mix kan återvinnas i bemästra scenen - men inte satsa på det!

Jag vill peka på vad mastering är det inte! Det bör inte ses fastställa eller rädda något. Det kan inte fixa en dålig mix, eller dålig inspelningsteknik. Den kan inte ändra de individuella nivåerna av instrument eller röster, men ibland - och bara ibland - du kan skapa det intrycket med noggrann EQ, och kanske, multiband komprimering.

Om jag råkar få en mix som är "gränsen" Jag kommer att diskutera det med min konstnär först. Jag ska försöka rädda dem tid / kostnaden för en remix när så är möjligt eftersom jag är villig att göra lite mer än vad som anses vara standard bemästra praktiken om nödvändigt för att rädda ett spår.

När du får spårar behärskar konstnären har ett sista ordet när det resultatet BTW!

• För artister som vill att själv spela in, vad kan tips du ger dem att använda under blandning så att när de skickar det till dig att bemästra ditt arbete kommer att vara mer effektiva eller lättare?

Allmänt:

Använd bästa ljudgränssnittet möjligt.

Använd den bästa talaren övervakar möjligt och placera dem på rätt sätt. Lyssningspositionen och de två bildskärmar bör utgöra en liksidig triangel.

Känna din lyssningsmiljö.

Det kan vara mycket frustrerande för mastering ingenjören om konstnären klienten auditions prov på en sämre uppspelning system / miljö och kritisera vad som faktiskt kan vara en svaghet i sin egen övervakning setup.

Dessutom: dina deadlines är - dina deadlines. Ge ca 2-3 veckor planerar för en full album mastering projekt. Var respekterar bemästra ingenjörens schema. Annars kommer troligen att visas utgången dörren!

Inspelning:

Lyssna noga för distorsion. Detta (som reverb) kan inte tas bort. Re-inspelning är det enda alternativet för att korrigera detta. Bara för att du inte slå 0 dB på DAW: s mätare betyder inte att du kanske inte har överbelastat en komponent någonstans tidigare i inspelningen kedjan: en förförstärkare, till exempel, eller kanske det finns en felaktig patch kabel.

Använd hög format kvalitet filformat. WAV eller AIFF på 24 bitar eller högre.. Använd lägsta samplingsfrekvens på 44,1 kHz. Högre samplingsfrekvenser är bra .. men (!) .. Om du ska till användning CD-format samplingsfrekvenser i multiplar av 44,1 k. Så 44,1 kHz, 88,2 kHz eller 176,4 kHz, etc. Om du vet att du bara är någonsin kommer till en video medelhög sedan använda 48 kHz, 96 kHz, etc.

Aldrig, aldrig, använd mp3 eller något annat datareduktion format som en leverans medium: du kommer aldrig att återhämta vad de ta med sig och de låter hemskt ändå!

Få så mycket av ljudet precis vid detta skede så mycket som möjligt, snarare än tornar upp effekter i mixen scenen.

Blandning:

Do - allt - du kan för att göra din mix på det sätt du vill att det ska låta. Inte välja att inte senare att gitarrerna eller sången var inte högt nog och lämna det till mastering scenen för att försöka åtgärda det. Lämna inte saker att för mastering ingenjören att ta hand om. Det bidrar till tid och egentligen är de sista 2 spår mixdown fil inte den bästa platsen för att reparera saker som att även om det vore möjligt.

Också försök inte göra någon del av bemästra ingenjör jobb oavsett orsak. Jag hade en gång en klient skickar blandningar som alla var maxade ut nivå klokt. De ville bara se till att EQ var konsekvent från spår till spår. Strunta i att om du EQ'ing efter att du har maxade ut nivåer du fortfarande behöver begränsa igen för att se till att du inte går över 0 dB, var ytterligare problem här konstnären hamnade skapar snedvridningen varje låt eftersom han inte kunde höra det på sitt övervakningssystem!

Andra tips:

Använd ett högpassfilter på varje spår.

• Menar du varje enskild gitarr, bas, sång, etc. spår? eller befälhavaren fadern då studsar varje låt?

Jag menar för varje enskilt spår / instrument i din mix - dina gitarrer, bas, sång, trummor, etc. Detta tar bort bygga upp och ackumulering av låg nivå sonic lera som äter upp värdefulla loudness nivåer i slutskedet. Tekniken för detta är att starta vid 20 Hz och långsamt röra sig uppåt tills du hör en förlust av låga frekvenser. Stanna vid den punkten och lägre långsamt tills du återställa den frekvensen - det är inställningen för just instrumentet.

Använd lågpassfilter på varje spår. Detta hjälper med att minska ansamlingen av bullernivåerna från varje spår och även med en digital "kant-iness". Tekniken är densamma som ovan förutom i omvänd: börja vid 20.000 Hz (20 kHz) och långsamt gå lägre i frekvens tills du hör en förlust på high end. Stanna där och flytta upp tills du återställa denna förlust.

• Och hur mycket av dessa låg-och högpass-filter ska vi använda?

Använd en för varje spår / instrument i din mix.

• Alla rekommenderade inställningar?

I båda fallen måste du använda dina öron för att se till att du inte är bort alla musikaliska innehåll som du vill behålla. Inställningarna bestäms av frekvensområdet för varje instrument på varje spår.

Stänga av allt och alla områden som inte är nödvändiga för den blandning. Detta hjälper till att minimera buller problem som hum, klick eller brus.

Kontrollera alltid att din mix sparkar röv i mono! :)

Om du försöker efterlikna vissa aspekter av kommersiell låt, vrid ned volymen på den låten för att jämföra med din mix bättre. Kommersiella spår är på en mycket varmare nivå än din slutliga mix.

Undvika att gå överbord med effekter: mindre är bättre. Använd precis vad du behöver.

Ta regelbundna pauser. Lyssna alltid med färska öron. Undvika att göra allt på ett sammanträde eller hela natten.

Och återigen: gör inte det slutgiltiga blandningen högt. Ge massor av utrymme att arbeta med: -3 till -6 dB är bra.

Undvik eventuella effekter / insatser om masterfondföretaget buss utom kanske en bra RMS mätare.

• Vad är en RMS mätare? och kan du rekommendera ett visst märke / produkt?

En RMS mätare mäter genomsnittliga nivåer. Deras mätningar motsvarar närmare hur det mänskliga örat hör. Målet för en RMS nivå från -20 till -14 dB och som bör också ta hand om dina toppnivåer inte slå 0 dB.

BrainworX, Blue Cat Audio och Audio tillstoppare är bara några av de företag som gör mätning programvara. Jag har rankat dem enligt min önskemål:

http://www.brainworx-music.de/en/plugins/bx_meter

http://www.bluecataudio.com/Products/Product_DPeakMeterPro/~~V

http://www.audiopluggers.com/kmeter/

Människorna bakom detta dynamiska område meter i länken nedan är en del av en rörelse att försöka återfå dynamik och liv i musiken genom att be experter att inte begära sådana höga herrar. Det brukade vara gratis men nu ber om en donation. När jag var på plats senare, men det verkade vara in-lämpliga eller icke-relaterade anmärkningar (spam?) Kvar "un-deltog" i kommentarerna, så just nu medan jag är allt för lägre nivåer och mer dynamiskt omfång, gå till denna webbplats på egen risk:

http://dynamicrange.de/en/tt-dynamic-range-meter-plugin-all-platforms-available

There is a free meter available, but it has a vintage look so I don't know how useful it will be to some people. When you use it, make sure you set it to the VU setting.

http://www.pspaudioware.com/plugins/tools_and_meters/psp_vintagemeter/

And once more: avoid hitting 0 dB on the final mix at all costs! That's the biggie!

Why? Those clipped 0 dB points can and will be amplified during mastering and the result will be more distortion in your final results.

Creatively, keep the main elements of a mix – kick, bass, snare, voice – centred in a mix. Rhythm instruments should generally be centred but now you need to careful they don't fight with the voice. (Remember about kicking ass in mono!)

Pan carefully – you want the left-to-right balance to be equal. Use a short delay (less than 25 ms) to send hard panned tracks to the opposite channel (at a lower, filtered level) to help balance and blend the stereo image better.

Även om du vet den ordning du vill att dina låtar i, låt mastering ingenjören vet från början. Ett knep är att sätta numret på banan innan låtens titel så här: 01 Song One, 02 Song Two: etc. Låt honom / henne vet albumets titel, artistens namn, och de slutliga titlar för låtarna.

Ge din ISRC-och UPC / EAN koder till ingenjör. För ISRC-koder kan du ansöka här (för Kanada):

http://www.avla.ca/isrc/isrc-application-form.aspx

Lämna lite tystnad i början och slutet av dina färdiga mix filer. Den mastering ingenjör kan ta hand om trimning och blekning. Om du har en speciell fade, ge honom / henne i början och slutet punkt i bleknar.

Kommunicera med din ingenjör! Erbjud dina tankar och vara tillgänglig när du krävs för att besvara frågor!

Genom att ge mastering ingenjören mindre för att "fixa", ger du henne / honom mer tid för att få "kreativ" och faktiskt koncentrera sig på mastering.

• De flesta konstnärer har inte tid eller lust att spela in / redigera / herre, men för dem som är intresserade, var kan de lära sig att behärska? Lär ni?

Jag undervisar inte, men det är online program:

https://www.berkleemusic.com/welcome/izotope

• Har du några enkla behärska knep att konstnärer kan använda för att förbättra kvaliteten på de hem inspelningarna de kan skicka till fläktar i nyhetsbrev eller gratis nedladdningar, men kommer aldrig att bli gällt till etiketter, radio eller film (som du behöver professionell mastering för) .

Förutom de blandningsskruven:

Jag ska anta att du vill veta om ljudstyrka aspekten. Annars om du vet att du gör du egen mastering, gör blandningen ljudet precis som du vill att det ska låta, men utan att oroa dig ljudstyrka, först och göra en två spår stereo fil.

Sedan kan du använda några av dessa ytterligare idéer.

Och alltid använda dina öron som den slutliga domaren.

Parallellt komprimering: Den bibehåller höga delarna bättre och lägger kropp och fyllighet till en mix när de används på rätt sätt.

• Hur gör man tillämpa "parallella komprimering" ... är det ett alternativ i en standard "komprimering" insert? var hittar jag den att använda den?
  

Ta din sista 2-track mixdown och gör en kopia av det och rada kopian i din DAW direkt i synk med och under den ursprungliga. På kopian ska vi slå ett enormt tryck: använd ett förhållande på 2:1 eller 2.5:1 till en tröskel på -50 dB med snabbast möjliga attacken tid. Frisättningstiden bör vara från 200 ms, för att så mycket som 500 ms, eller mer. Blanda detta med din ursprungliga Obearbetad fil - utgångsnivån för den komprimerade filen är den kreativa delen. Var mycket försiktig så att originalet och komprimerade filer i perfekt linje eller om du kommer att ha stora problem med fas avbokningar.

Du kommer att behöva tillämpa begränsa efteråt bara för att se till att du inte får några digitala overs (gå över 0 dB).

De flesta hyfsat utformade begränsare och de i de flesta större DAW: s kan hantera 2 till 3 dB för att begränsa ganska öppet. Ett bättre alternativ för mastering begränsare är PSP: s Xenon eller Voxengo: s Elephant. UAD precision Limiter är utmärkt, men behöver ett installerat kort. Den nya Ozon 5 Maximizer är fantastiskt men som Elephant, det ger en nästan förvirrande mängd val nu.

(T-Racks 3 har faktiskt några anständiga förinställningar som inte suger och behöver minimal eller ibland ingen tweaking).

Begränsar den maximala topp utmatning till -0,3 dB för. Wav and.aiff filer. För mp3-filer och motsvarande, att begränsa den maximala utgången till -2,0 dB. Det beror, när du gör till låg kvalitet format som att de inte "lyder" de limiter inställningarna och ofta går över gränsen. Den -2,0 db inställningen är ett skyddsnät för att se till att du aldrig slagit 0 dB.

Även för mp3 lågpassfilter ut till 15 kHz.

För RMS nivåer: Jag gillar att ha min mästare "hover" runt -6 dB RMS för ett maximum. Som lämnar fortfarande lite utrymme för dynamik samtidigt som den är konkurrenskraftig. Naturligtvis betyder det inte att du har stannat "nålas" på den nivån - om en låt har tystare delar, låt dem vara tysta.

Dither (inte trunkera) dina slutliga filer efter att begränsa till 16 bitar.

För EQ prova några av dessa idéer ::

Först, eftersom du har gjort blandningen själv, om du tycker att du skär / öka mer än 3 dB - STOP - gå tillbaka och remix. Du har gjort något fel!

Skär ut frekvenser under 20 Hz om du gör en klubb mix. Annars bör ofta vara säkra att skära under 40 Hz men lyssna först! Liksom inspelning sig, det finns inga regler.

Mänskliga hörseln är mest känslig i 3 kHz - 6 kHz intervall, så om du inte redan har gjort det, kanske en liten boost av cirka 1 dB hjälp med hörstyrkeuppfattning och kanske tydlighet samt

Ett alternativ skulle vara att skära runt 1 dB i området 200 till 500 Hz. Med en klippa här kan du också tänka på det som öka bas och lägga till några klarhet samtidigt.

Innan det blir för komplicerat, kanske lite extra värme tas (vid behov) genom att skära en halv till en dB kring 7-8 kHz, och slutligen en halv till en dB boost runt 14-15 kHz för lite luft.

Det är mycket möjligt att alla dessa förslag kan helt tanken också, eftersom de bara kan vara olämpligt för den blandning. Det är en "öra" konst!

I slutändan måste man höra mixen i fråga innan förslag eller rekommendationer!

Det är viktigt att förstå att det är svårt eller nästan omöjligt att generalisera eftersom mastering inte görs med formeln. Varje mix är olika: vad som fungerar bra för en mix kan vara usel i ett annat. Det är därför en mycket mastering ingenjörer kommer inte att ge sina tankar om vad som är bäst att göra eftersom många människor glömmer att varje situation är unik. Den stora hemligheten är att det är ingen hemlighet.

Mina Slutord:

Det magiska börjar med sången. Om det är rätt, faller allt annat på plats!

Följ din inspiration och vara sann mot det till slut!

• Tack för att göra detta Karl! You rock! :)

Wow, har det varit riktigt 5 månader sedan jag publicerade på min blogg? Hur gick det till?

Hur gick jag från bloggandet religiöst en gång i veckan under ett år och sedan försvinner helt? ... Något att fundera på, tycker jag .... Kanske ämnesinnehållet för ett nytt blogginlägg :)

Man tittar på förra inlägget, tänkte jag att det skulle vara lämpligt att göra detta en av själva videon vi sköt den dagen med videografisk magi Adrian Vieni (Trä & Wires) och den akustiska awesomeness en TrueAxe Guitar .

Här är "The Weather Girl" akustisk ....

Lyrics:

Gräsbevuxen grön och hal, visste vem som spöken växer som ogräs?

VÄDRET GIRL anförtror i regn, finner hon gåvan utanför. Hon finner sin väg in i den ljusa, vita blixtnedslag

Den sätter en brand i augusti regn, exploderar och blåser flickan ner. Elektrifieras med det ljusa, vita blixtar stike. Den ljusa, vita blixtar ...

Vind strumpan säger klar himmel framåt och extra sensoriska biverkningar

Nu i en atmosfärisk tillstånd, halvsovande, halvt vaken
Hennes kropp stiger i den ljusa, vita spöke ljusa

www.meghanmorrison.com
@ MegsMorrison

Medan vi väntade på vårt TrueAxe Guitar video skjuta med trä och tråd Productions torsdags bröt bandet ut i sin egen återgivning av min sång, " Motvilligt ". Det var för roligt för att stoppa, så Adam tog sin laptop, började fånga deras tolkning av " Still "och sedan upp den till YouTube för oss. Jag kan inte vänta med att gå på turné med dessa killar. Det kommer att vara dum :)

www.meghanmorrison.com
@ MegsMorrison

Sedan starten min vecka webb-baserad musik visa för ett år sedan, har jag brainstorming olika sätt som kan hjälpa musik av konstnärerna (liksom min egen) ut till fler människor. En sådan idé var podcasting , vilket skulle göra det möjligt fans att ladda ner musikaliska höjdpunkter från webbsändningen efter att live stream är klar och ta det vart de än går på vad enhet de vill.

Efter att ha hört om engagemang och bekymmer Brad Gulka ( @ BradMezmo på Twitter), min trummis, ivrigt har tagit in som en av grundarna av Comma Fel podcast laget, jag trodde det skulle vara klokt att prata med några fler podcasting veteraner samtidigt som man försöker att räkna ut hur man startar eget bärbart ljud show. Som sådan, kontaktade jag Eban Crawford (som har presenterat några av mina låtar på sin podcast, nå för Lucidity) och Michael från MikeyPod (en musik och intervju-baserad podcast) som jag har haft kontakt med på Twitter under de senaste månaderna . Båda var glada över att svara på några frågor jag hade om sina podcasting erfarenheter och, mer specifikt, med början en podcast från början (tack Michael och Eban!). Nu kör vi! ...

1) Vad inspirerade dig att börja podcasting?

Eban (RFL): "Redan 2004 bodde jag i England med min fru och gjorde mitt uppehälle sälja min konst på nätet. Effie fick då riktigt sjuk och var tvungen att gå igenom en akut operation. Efter nästan förlorat henne och sedan den långa återhämtningen, förlorade jag intresset för målning. Jag inte kunde måla längre. Att vara en kreativ person, jag behövde något att fokusera mina krafter på, så jag vände mig till min musik och sedan upptäckte podcasting. Jag har ställt in RFL först som ett vanvördigt nyhetsprogram, som inte funkade så bra, sedan 2005 vände jag mig till att främja indie musik. År 2006 blev jag kontrakt med Podshow (nu Mevio ) och jag åkte därifrån. Stöd för indie musikscenen blev en passion för mig. "

Michael (MikeyPod): "Under sommaren 2005, min vän Richard Bluestein (aka Madge Weinstein på yeastradio.com hade) inledde sin podcast och uppmuntrade mig att starta en också som det var mycket få homosexuella podcasters vid den tidpunkten. Jag hade en ganska bra gemenskap av vänner på livejournal på tiden så jag tänkte att det kunde vara ett annat bra sätt att interagera med människor över Internet. Jag var inte säker på vad jag skulle prata om, men då jag hörde en annan podcaster prata en bra 20 minuter om hur han sorterade sin tvätt och insåg att jag kunde vara åtminstone att intressant, så gav jag det ett försök. "

2) Hur gjorde du det? Hur kom du ställer in en podcast?

Eban (RFL): "Först, jag bara spelas in djärvhet med hjälp av en billig mikrofon jag hade liggande. Jag började värd min show på min egen server. När jag vände showen till en musik-podcast, började jag lära om inspelning och började öka min produktion färdigheter. Jag gick från Audacity till PodProducer 2005. PodProducer tillät mig att kö låtarna och stötfångare lever som på radio.

Jag njöt fram på detta sätt, men mitt ljud var fortfarande avstängd. Jag började använda Sony Vegas och köpte en Behringer Mixer och några bättre mikrofoner. Mitt ljud var att bli bättre och runt den tiden jag fick mitt kontrakt med Mevio och började värd mina program på Mevio servrar.

Under årens lopp har jag förbättrat min produktion och cyklade genom kugghjulet. Nu är jag ändå värd på Mevio och min främsta redskap har kopplats ihop ner till Ableton Live , Sony Vegas , M-audio gränssnitt , och min Zoom H4n som jag köra min Blue Ball mikrofon . Jag använder också Sony Vegas för att producera min animation och video. Jag skapar mitt animation med produkter från Reallusion , som omfattar Crazy prat, iClone och Crazy Talk Animator Pro.

Michael (MikeyPod): "Jag började genom att bara spela in en ljud-ser rundtur av en fjärde juli händelse på en liten handhållen diktafon. Om jag minns rätt, redigerade jag det med Audacity och sedan postade den gratis på archive.org . Sedan satte jag upp en gratis blogg på blogspot att vara värd för podcast. Ganska snart efter att jag betalat för min egen domän och webbhotell, som verkligen inte är så dyrt. "

3) Vilka resurser skulle du rekommendera nu?

Eban (RFL): "Jag har alltid, och kommer alltid att, föreslå värd visar på Mevio . Jag har varit med dem sedan 2005 och har aldrig haft ett problem. Vem som helst kan registrera dig för ett konto. Det är gratis och hosting är bergfast. Du kan vara värd det och använda sina sidor som din show webbplats eller sätta dina program på din personliga webbplats.

När det gäller redskap, rekommenderar jag att hålla det enkelt. Jag har en hel del fina redskap, men jag använder det för min musik. För min show är ett DAW , i detta fall Ableton Live eller Sony Vegas , och min H4n . Jag rekommenderar alla att få en H4n om du är i inspelningen. Det kör omkring $ 300 dollar och är värt mycket mer. Eftersom det är också en inspelningssystemet med full effekt och produktionskapacitet, kan du producera tekniskt en show med bara att en del av utrustningen. Jag har använt det på det sättet i avlägsna situationer innan. Det fina med Sony Vegas är att det inte bara är en full skisserat DAW, men en fullfjädrad videoproduktion svit också. Två flugor i en smäll, eller i detta fall, prislapp.

Som för en webbplats, kan jag inte rekommendera WordPress nog. Att gå till WordPress.org är okej, men en egen värd WordPress installationen är oslagbar. "

Michael (MikeyPod): "Cliff Ravenscraft på podcastanswerman.com är en podcasting kraftpaket, extremt kunnig och en riktigt bra kille. Jag använder powerpress från blubrry.com vilket gör det mycket enkelt att lägga podcasts på min WordPress blog. Även om jag inte värd mina podcasts där själv, jag vet att du kan betala för webbhotell i blubrry.com också. "

4) Var ser du inspiration / ämne?

Eban (RFL): "För musikföreställning, nå för Lucidity Indie Music Blast är det aktuella händelser och stor musik. Ändå lägger jag bara ut en show dessa dagar när jag känner för det. Jag låter inspirationen hittar mig nu till skillnad från de första dagarna då jag skulle arbeta dag och ut och få mina shower gjort.

Den RFL Animerad Adventures serien är bara byggt kring slumpmässiga tankar som korsar mitt sinne. Allvarligt, jag tar bara vardagliga saker jag ser, hör eller komma med internt och sedan blåsa dessa tankar i proportion. Jag tog en paus från att producera ett tag men den nya säsongen av de animerade Adventures laddar upp just nu. Om någon läser detta är intresserad av att göra något röstskådespeleri, hålla ett öga på min webbplats som jag kommer att lägga ut gjutning samtal snart. "

Michael (MikeyPod): "I mina mer aktivistiska dagar var det ganska lätt att hitta inspiration. Jag var motiverad av saker som jag tyckte var orättvis i världen som jag ville att folk skulle känna till. Dödsstraff, djur rättigheter, kriget i Irak. Nu när jag fokuserar mest på musik brukar jag hitta artister som jag gillar och är tillgängliga och följa spåret av musiker som omger dem.

En av mina favorit intervjuer var med Christopher Willits . Jag försökte få en intervju med Ryuichi Sakamoto, men min kontakt på sitt skivbolag sa att det inte skulle fungera, men hur den här killen? Intervjun var fantastiskt och Christopher Willits har blivit ganska inspiration till mitt eget arbete också. "

5) Hur tidskrävande är det att publicera en podcast?

Eban (RFL): "Det är helt upp till podcaster. När jag började var inspelningen ganska kort. Jag tillbringade mer tid att hitta musik och ämnen för showen. När du går och du lär dig mer produktion, kan det bli kortare eller längre, beroende på hur djupt du än går.

Finding My segment, musik och göra min löst utkast manus fortfarande tar mycket mer tid än producera. Själva inspelningen av en typisk audio show tar ca en timme och mitt inlägg produktionen tar en timme eller så. Jag har mycket av min produktion automatiserad nu, till exempel sång spår behandling och sådant. Producera en animerad episod är en bra vecka eller mer av mitt liv, inklusive att skriva manus och få mina skådespelare och liknande. "

Michael (MikeyPod): "Det beror på vad du gör. När jag först började jag velat göra intervjuer, tog de en hel del tid. Jag var tvungen att kontakta den person jag ville intervjua, ordna en tid som fungerade för oss båda, forskning personen gör själva intervjun, redigera den och sedan lägga intervjun. Det var verkligen givande och jag träffade några riktigt coola människor så, men, man, det är alotta arbete! Nu gör jag oftast musik visar vilka är mycket enklare eftersom jag kan göra det på min egen planering. Det tar lite tid att kontakta artister och etiketter för tillstånd, och sedan välja låtar och sätta dem i en sekvens jag gillar (jag är lite kinkig om detta), men allt som allt är det en mycket snabbare process. "

6) Hur ökar du dina betyg / antal lyssnare?

Eban (RFL): "Till skillnad från filmen Field of Dreams , bara för att du bygger det betyder inte att de kommer. Du måste förtjäna din målgrupp. Arbeta den. Kom i svett eget kapital . Träffa andra, både online och i den verkliga världen och alltid ha din elevator pitch klar. Vara glada när ni talar om din show och låta andra känna det.

Social network and get the word out that way with other podcasters and social networkers. Never talk about your show as if you are apologizing, or as if your show is inferior to others. Self deprecation is not a great way to get people to listen to your show. Always act as if yours is the shiniest and best show around. Your show is as good, and oftentimes better than shows that are more popular. Act like it.

Always engage your listeners . Don't ever hold back, people can tell when you are faking it. If you are wild, be wild, if you are funny, be funny, if you are quiet, be quiet, if you are controversial, be controversial. Don't pretend to be something you are not, or that you wish you were. Be yourself.

Remember your SEO . The search engines still to this day only see and catalog your text. They can't see your video or audio content, so use your show notes to your advantage. Write in simple and complete sentences and don't try to game the system by keyword stuffing . Write your notes naturally. Use tags to your advantage. Get an account with Feedburner and set it up for podcasting. Set all the iTunes options. Get a Technorati account and claim your site.”

Michael (MikeyPod): “Honestly I really worried about subscribers and downloads much more in the beginning. I think of it more as a hobby now and rarely check my numbers. The things that helped in the past tho were interacting with other podcasters, and social media sites . One thing I have noticed with Twitter is that if I make an effort to really interact with people there, other users are more likely to follow me.”

7) What has been the biggest challenge for you since starting your podcast? How did you overcome this ordeal?

Eban (RFL): “This may sound weird, but I don't abide challenges. There will always be tech glitches and such, but those things are no big deal. If a serious challenge comes up while I am producing a show I just walk away and move on. This is fun for me, if it stops being fun, I take that as a sign and go into my next project. I have many times abandoned a show that was not working and then came out with a different show instead that just rocked. At first I would stick with shows that were not working and the finished product was never really good. Keep it fun is my advice.

Den enda andra utmaningen som varje podcaster måste ta itu med växer en tjock hud. Det kommer att finnas hatare. Inte bara att människor eller människor du inte känner, men även en del nära till dig som känner att de håller på konstruktiv i sina kritik eller kan bara vara svartsjuk. Låt det inte komma till dig, någonsin. Det är naturligtvis lättare sagt än gjort. En miljon människor kan säga att du mår bra, men om en person angriper dig, gissa vilken man fastnar i huvudet för det mesta. "

Michael (MikeyPod): "Jag tror det svåraste för mig var när jag skulle sätta ut en podcast med ett ämne som jag var mycket passion som fick mig lite feedback. Jag skulle vara så eldas upp om något och förväntar hela världen att stanna och gå upp i armarna med mig. Jag fann mig själv bli riktigt arg på mina vänner och rättvist samhälle i allmänhet, eftersom de inte svarar så som jag ville. Jag tycker det är en stor del av varför jag bytte till att göra bara musik podcasts. Som inte känns balanserat heller, men nu är det en bra lösning. "

8) Har du några exempel på moment som gjorde du känner "Det är därför jag älskar podcasting!"?

Michael (MikeyPod): “There are a couple of them. When I first moved to NYC from Houston in 2006 I connected with Eve Beglarian , a composer that I loved and had interviewed for the podcast . I wound up living with her for my first summer there as she needed someone to keep an eye on her apartment and I didn't have any money to pay rent. We've become friends and she has become a sort of mentor for my own composing.

I lived at Koinonia Partners , an intentional community in Americus, GA for several months before I got to NYC. That was another experience that I might not have had were it not for podcasting. I was lucky enough to get to interview Habitat for Humanity founder, Millard Fuller before he passed away. Talking with him was one of the more meaningful moments of my life. He was tremendously inspiring.”

9) Where do you think the future of podcasting is going?

Eban (RFL): “This beast that is podcasting is almost unrecognizable from what it was at the beginning. Being one of the first and seeing all the changes along the way, I really can't answer this. I am however curious to see where it heads next. Podcasting is really exciting, even now as I am not as active as I once was.”

Michael (MikeyPod): “That's a really interesting question for which I have a really lame answer: who knows?! :-) Seriously, I think the really great thing about podcasting is that it can be whatever you want it to be. For me, it's a great way to share music I love with others. For someone like Cliff Ravenscraft (who I mentioned earlier), he found a way to make podcasting his sole source of income and he reaches so many people in really inspiring ways. So, because it's such a flexible medium, it's becoming many different things for many different types of people.”

10) What advice do you have for an artist like me who wants to start their own podcast?

Eban (RFL): "Bara gå för det. Börja producera och lära som du går. Bygg din fart och aldrig se tillbaka. With that said, don't force it if it is not working at the moment, just move to your next moment and rock it.

It is not your hosting, your gear, or any other outside factor. It is your enthusiasm and content. Make it fun and interesting and everything else will fall into place.

I am always available through email at ebancrawford (at) gmail (dot) com to help any podcaster that may have questions. I may not produce as much as I once did, but I still love podcasting and helping others that may be starting out.”

Michael (MikeyPod): “Make like Nike and just do it . I really believe that action precedes inspiration sometimes. I'll be really interested to see what you come up with and may be looking to you for some inspiration, too, as my focus shifts more toward creating my own music.”

***

Jag tror att jag är redo att börja skapa min första podcast! Jag har redan WordPress installerat på min hemsida (tack vare min fantastiska webben kille, Byron McQuay vid OneDesign ) inspelning och redigering redskap, massor av gäster att dra innehåll och inspiration från och sociala nätverk med, och nu några stora insikter i de utmaningar och rewards that lie ahead :) (I also dug up some helpful hints from the itunes website that you might find handy).

Big thanks to veteran podcasters, Eban Crawford ( Reaching For Lucidity | on Twitter -> @RfL_Productions ) and Michael ( MikeyPod | on Twitter -> @MikeyPod ) for sharing their experiences and advice!

Happy long (Victoria Day) weekend!

Meghan Morrison
www.meghanmorrison.com
@ MegsMorrison

Bild "Min Mini Podcasting Studio" courtesy of Sebastian Kupers CC-BY-SA 2,0

“I'm just gonna lie here and fish in my mind”…

Sounds like it could be a lyric to a song, doesn't it?

The jelly fish whispered words of wisdom when I put him in my ear.

He said, “You've learned alot about the sea, my Dear, now it's time to use your fins”.

Last week I didn't want to blog … at all. When I don't want to do something I really enjoy, it usually means one or two things:

a) I'm burnt out or

b) The purpose of the thing is changing

I am relieved to say that this time it is the latter.

I am so inspired to create right now (which is what being an artist is all about), but my blog is very ' Left Brained' . It feels like an assignment instead of a mode of expression.

Now that I am 3 articles into my monthly column on Women's Radio , I feel the need to divide my brain a little more for these projects. The articles on WomensRadio are the resource-based accounts of my adventure that I hope other independent musicians will find useful. It is time, however, for this blog to become a more personal and creative representation of who I am as an artist and a person; A brief, weekly insight into my oddball mind that my followers who aren't musicians can relate to along with my fellow musicians (because we're all a little weird in our own way, aren't we?).

One week it may be a poem based around an image of me doing something silly. Another week it may be straight up philosophy and reflection. Perhaps sometimes it will be a piece of art I have created or a song I have recorded… it could be anything. It will be whatever I'm inspired by, not just thinking about.

* “I can't even think about wading right now. I'm just gonna lie here and fish in my mind.” is a phrase that caught my eye when I googled “the fish in my ear said” . It's on page 77 of this edition of F ield and Stream and was said by angler, Colby Lysne.

Meghan Morrison

www.meghanmorrison.com

With the digital revolution vastly changing the face of the music industry, as well as how fans encounter and use new music, it is imperative for artists to 'keep up with the times'. And, with the convenience of the Internet and downloading, there has been an underlying push over the last few years to deliver fresh content to fans on a more frequent basis, in order to stay on their radar and satiate their desire to have more from the artist. But, is there a point where servitude becomes disadvantageous in the new music industry?

Last week, I read an article by Minh Chau called “ The problem with releasing a single each month “. Chau's reflections on whether it is better to give in to our convenience based society or take a 'controlled inconvenience' approach helped me settle the debate that has been on the back of my mind for quite some time now.

Singles are the reason for why many people bought albums in the past. They wanted one song, but had to purchase the entire album to get it. Today, no one needs to buy an entire album anymore… they don't even have to pay for it because it is so easy to download music illegally. iTunes, artist websites, and other online retailers make it very easy to sample songs and only buy the ones you like.

So, if people are only buying one or two songs, why would an artist want to spend so much money recording a full album? Why not cater to the fans and give them a new single every month? Even with my own strong affinity for the romance of albums, this is something I had been considering doing for the sake of 'keeping with the times'. The danger with this, I now see, is two-fold:

Firstly, it is difficult to create buzz and excitement around one single release every month (see Chau's article ). The time and money needed to properly promote my music as a whole would be wasted, because I would be moving on to the next release before the buzz from the first has run its full course. Also, there are more ways to promote an album (and the singles on it), which allow me to create new ways to engage fans each week/month while promoting a bigger body of my art.

Secondly, by becoming a servant to the fans … I become a servant to the fans… and I devalue my own work (see Herbert's article ). Don't get me wrong, I want to be giving with my fans and serve a purpose in their lives, but that doesn't mean I should make myself a slave to that effort. Fans value artists that they see as leaders, role models, and strong, inspiring individuals… not as pan handlers. I want to inspire, not beg.

Because people today expect to have free access to any kind of information or digital file at the touch of a finger, the things they can't have on demand become more valuable (if the product is good). According to Wary Herbert 's research, valuing something through a sense of scarcity may be part of our human nature. Antiques and diamonds are expensive and valuable because they're not easy find. They are desired because of their inconvenience and limited supply.

As such, it still makes sense in the age of downloads to release a full album once every 1-2 years. Unless, of course, your artistic vision dictates otherwise. Sean T Wright is a good example of how a goal-oriented monthly release can challenge an artist and draw attention to one's work.

In summary, I'd rather be a boat with oars and sails navigating my course on the moving waters, than a duck's feather that floats (and gets pulled under) at the whim of the current. We are almost finished writing the next album and that is exactly how we will be releasing it :)

Until next week,

Meghan Morrison

www.meghanmorrison.com
@ MegsMorrison

Tweet hashtaggen # aiimm dela dina egna äventyr i Independent Music Making

Image “ BSS 01 ” by Ana Gilbert courtesy of Buraka's Black Diamond . License CC-BY-SA 2.0

In a blog recently forwarded to me from the Songwriters Association of Canada , producer Douglas Romanow discussed the ' magician's rule #2 for songwriters ', stating that songwriters should “never perform the same trick twice for the same audience” and recommended co-writing as a strategy for developing new 'tricks'.

I have collaborated with other musicians in the past, but up until this past Friday, I had never co-written a song with someone from scratch… I suppose, though, there was this one time that my brother and I wrote a parody of Eagle Eye Cherry's “ Save Tonight “. We were young and silly, so naturally our rendition turned to potty humour (including a lyric about toilet bowls being on fire).

There is a lot of support in the industry for co-writing, especially from recording studios, producers and songwriting associations. As the saying goes, two heads are (often) better than one, so problem solving becomes more fruitful (unless the minds in those heads simply do not gel) and having someone to bounce ideas off of can lend new approaches to one's craft. Furthermore, co-writing with experienced songwriters who have had commercial success with their songs can be an incredible learning experience and may open doors to contacts for placement of your own music. There are a number of other benefits, which Bronson Herrmuth has summarized in a great list of reasons to co-write.

I have been wanting to collaborate more with other songwriting minds lately. So, naturally, I was thrilled to be invited for a co-writing date with Heather Hill (a fellow SAC member. She also performed on my webcast at the end of Season 1 )

Aside from feeling a bit insecure in my ability to co-write, I was also in the middle of finishing lyrics to a song I am writing for the next album and was worried that I wouldn't be able to turn that song off in my head in order to create something fresh. Heather, on the other hand, co-writes often and with many people. Like a real professional, she was very prepared and had many ideas for themes already jotted down before I arrived.

Heather was really inspired to write a song that expressed appreciation for strong women who work hard, but aren't always recognized for it. With the way she lit up when talking about this particular song idea, I knew it was the song we had to write together. You have to go with that kind of energy.

We started by doing a free-form brainstorming session. When writing for myself, I would normally start with object writing , create a word cloud with the ideas and phrases that jump out at me , and then build the brainstorm out from those core words/phrases. This time, I thought I would embrace the opportunity to try something different and let myself bounce between the approaches throughout. This resulted in a few short object writes for character development and some messy word clouds that somehow turned into a poem. Heather used the Internet as a resource and pulled out some idioms and other themes from cyberspace .

As we shared our outcomes with each other, we made notes about the ideas and words that struck us as being compelling, paying particular attention to ideas that could become the “ hook ” of the song. Then we attacked the verses, choosing to base each verse around different characters that shared the same basic experience of being strong women who aren't always recognized for their strength and may not see it in themselves.

With the idea in mind that some women go above and beyond the workload of the average woman, we constructed the song in such a way that, when read together, each of the verses could represent a different point in the same person's day (representing their overwhelming workload) OR be viewed as a snapshot of three different peoples' experiences throughout any given day. The chorus takes a step out of the individual character's situation and is a third party recognition of their efforts and qualities of strength.

I was surprised at how quickly the first draft came together. After 4 hours and two delicious banana muffins (baked by Heather) we had the whole thing typed on the computer and ready for melody experiments. Using a computer for writing lyrics was also a new experience for me, as I always veer for pencil and paper. It was fast though, being able to copy and paste, and seeing the full structure laid out on the whole page made it easy to see where the structure was going. I may attempt this approach again on my own when I try out the MasterWriter software.

See you next week,

Meghan Morrison

www.meghanmorrison.com
@ MegsMorrison

Tweet hashtaggen # aiimm dela dina egna äventyr i Independent Music Making

Image “ Two heads are better than one ” courtesy of Darron felon . License CC-BY-SA 2.0

This weekend was exactly what I needed to refresh my songwriting mind. Trying out some of the suggestions offered to me in the comment section of last week's blog, “ Gigging During a Songwriting Phase “, we (the band) decided to test drive a couple of our new songs (one of which hadn't been finished, let alone performed, yet) during the Wonder Women showcase (organized by one of our loveliest webcast guests, Arlene Paculan ). It was a smash success. The audience responded to the new songs with great enthusiasm and it was the exact boost I needed to get my mind out of the “I'm tired of playing my old songs” funk.

Now, with that weight lifted, it is time to shift into writing high gear and who better to look to for output advice than the man who has written, recorded, and released 48 full length albums in just as many months?

50 Albums in 50 Months

Sean T Wright is a fellow Music Success in 9 Weeks Blog Challenger who I became acquainted with last fall. At the time, he was well on his way to achieving a very lofty goal: 50 albums in 50 months . Now at 48/50 albums, he has established himself as perhaps one of the most dedicated and determined musicians in the world-wide independent scene. The man is king of output. Not only has he released over 1000 songs since 1979 (which you can download for free from his website ), but he has also published 12 novels and created 1000 pieces of fine art.

As someone who is having difficulty managing their time to produce even one album since January, I was compelled to pick the brain of this prolific British artist… and he was kind enough to let me!

A Conversation on Writing with Sean T Wright

What inspired you to write 50 albums in 50 months?

Now that's a good question, and one that doesn't have a simple answer. I started out wondering if I could write 12 albums in 12 months. That first 12 months was the toughest, in the sense of getting into a creative routine, learning to write from the heart. Once I'd completed 12 albums, I then thought: is 24 albums possible in 24 months? I want to find out! I'd like to think that I'm an explorer, stepping out into unchartered songwriting territory.

How did you approach the structure for each album?

I'm not sure why, but I choose 12 tracks per album. It kinda felt right. I guess if I'd chosen 10 tracks per album, then I'd now have 57 albums instead of 48 albums! I try to write albums, not just a collection of random songs. While the song topic may vary a lot on each album, I try to use a limited selection of instruments per album, so that they gel with other tracks on the album. For example, one album might be electro in flavour, whilst the next pop, or rock, or acoustic.

How did you work through daily life distractions in order to put out each album month after month over such a long term?

I've always been focused and obsessed with my music. I set aside time most days to write and record – 2 to 3 hours a day. I work very fast in the studio, almost manically, like a painter at his blank canvas, splashing on textures and colours of sound.

How did you deal with writer's block?

Seriously, I don't get it! If I pick up a guitar and strum out a few chords, the rest follows – words, melody, and structure. I have always had a LOT to say, about all kinds of things. I write predominantly about my life, how I feel, at any given moment. So if I feel angry, then out comes the angry song. If I'm at peace with myself, then that song pops out, too. What I don't do is analyse what I write, or try to mould it to a genre or style.

Do you do any creative writing exercises? If so, what are they?

I don't have exercises as such, but I do have routines. One routine is FAWM – the February Album Writing Month – where songwriters try to write 14 songs during the month. Then there's 50/90 – a twin of FAWM where songwriters are challenged to write 50 songs in 90 days from July to October every year. These two online communities are brilliant places to meet fellow songwriters, collabs, and general support.

Personally, though, I write songs in three ways.

Method One : Depending on my mood, I grab my acoustic guitar and hammer out the words and melody, structure and so on. Then I record it while it is very fresh. It may become a fully arranged song, or just a simple vocal acoustic number.

Method two works like this: I grab my guitar, tap out a click track on my digital recorder, then record a bunch of chords straight through, all on instinct – for example, chorus, verse 1, bridge, chorus, verse 2, bridge, chorus x2, mid 8, chorus x2 etc. After that, the rest of the song takes shape, as I add layers of instruments, drums, synths, guitars etc.

Method three : I create beats, whole song structures in EZ Drummer, then record these to tape. From those beats I write songs around them, adding other instruments, and finally vocals, with no idea of melody or lyrics until the basic backing track is done. So I typically have drums, bass guitar, two electric or acoustic guitar parts done before I lay down vocal parts. Other instruments may follow, depending on how the track is working. I try not to overload the song with a multitude of parts. I believe in the old adage that less is more. It's what you leave out that makes a song.

How did you keep up with the demands of MSI9W and your own writing challenge?

I just did it! lol! Seriously, I applied the same focus to the Music Success In Nine Weeks challenge. Focus and obsession!

Please describe your recording, mixing, and mastering process.

I'm very old school. I like to start out with a flat board, then shape each sound from there. So drums and bass have to be sonically happening before I move on to the guitars, synths and anything else. I always mix the vocals last, so that they sit in the track as I want them. I like doing different things with vocal mixes – hate reverb! But love chorus in small amounts, which glue vocals together.

I was weened on analogue reel to reel tape machines many years ago, so my ears seek warmth and depth, which recording equipment like Teac and Studer provide. I use the Studer A800 plug-in for recording, mixing, and mastering. There is nothing out there in the digital world to compare, if you want old school warmth and fusion of sound.

On my early CDs (albums 1 to 18), acoustic guitar was recorded in stereo or multi-tracked up to 4 times, usually with mics in XY configuration, panned 50-50%, or often one guitar laid over the other in the mix. A lot of listeners have mistaken the two six string guitar tracks for a twelve string. I crank the middle up as far as it will go to get some punch. I love single tracked acoustic guitar, too, which you can hear on tracks like “I Keep Wondering”, “Lakota Holy Man”, or “Looking Out For You.” ( which you can find alphabetically in his Song Tree )

Vocals are recorded in a variety of ways. Sometimes I get up within an inch of the mic, to get a breathy whispered tone. Othertimes, I'ma foot back when I blast it out! I don't use compression much, if at all. I often use a delay to give sparkle and life. The Boss Delay is rather versatile. I often doubletrack lead vocals as well. I prefer dry vocals and only use reverb now and again for effect on the odd word or line.

Electric guitars are straight into the COSM effects unit. My fav setting is the preset Jazz sound, which has a bit of bite distortion-wise, but remains relatively clean. One thing I try to do is to keep a similar guitar sound per album, to unify things I guess.

My mixdowns are one way or the other per album. Either I use the Boss BR1200 , or the Ableton Live on my computer. With the exception of the album “Underground” which was mixed in Protools, most of my mixdowns have been done on the Boss BR1200 . But from album 28 “ Parkour ” I used Ableton more and more for mixing.

Because I work so fast with the album-a-month project, I need software and equipment I can trust and use swiftly. The Boss BR-1200 , and Ableton Live do the trick for me! ( see below for a more detailed list of gear and progams Sean likes to use )

How did you approach the album art?

My album art comes from many different sources. Some is unique, commission artwork. Other album covers are my own personal photos or even artwork. Some is creative commons (royalty free) stuff, which I feel fits a certain type of album/theme. I was trained as a graphic designer in my teens, so I know a bit about layout and typography.

What impact has the overall experience had on you as a songwriter?

Writing, recording, and releasing so many albums in such rapid succession has been a very positive experience. It has taught me one major thing: there's no point waiting for inspiration. It's already there, waiting to be grabbed out from the dark into the light. Because I have written at least three fully recorded songs every week for the past 4 years, I think my songwriting is stronger now than ever. The response I've had from tens of thousands of people has made the biggest impact on me. There's been almost 1 million free downloads of my music via the internet, which means there are a lot of folk out there listening.

What advice do you have for me, an artist going through a writing phase right now.

Me? Giving advice? Well, I believe that literally anything goes. The creative process for each individual is a very personal thing. For me, I work from my heart, on the spur of the moment, in that moment. It's an honest approach. I don't try to force songs in a premeditated direction. I believe in the organic approach. I feel strongly that the songs are already there, hiding in the shadows of the unconscious, lurking like shy creatures, afraid to voice their shape and form. I'm like a song-catcher, rescuing them from a dark place and coaxing them out into the light, so that others can hear them.

________________________________________________________________________

Gear Sean Likes to Use

(1) AKG C-2000B mic - All vocals and guitars are recorded through it. I love this “for all weathers” mic. Love it! I like to crank up the vocal input so it peaks into distortion, giving a static/driven sound to vocals for a lot of my tracks (listen to “ Beneath The Waves ” on 69 Love Songs Vol 1 as an example). I call my studio Static Queen, an allusion to my songwriting friend – the genius Mark Linkous .

(2) Audio Technica Atus ATR30 cardioid mic – this is an ancient mic that I record acoustic guitars with on my analogue Yamaha 4 track. ( You'll have to get it second hand, as it is now discontinued )

(3) Tannoy Reveal R5A Monitors – Near-field monitors used for mixing down. I also use my pathetic Logitech computer speakers for infrequent mixing. But my real workhorse is the Technics RP – F400 headphones .

(4) I love my Boss BR-1200 digital recording studio , with it's super COSM guitar effects unit. But I also use a PC recording rig with Ableton Live 8 . I adore Live's effects and sound/instrument library – especially the strings sections. I play every instrument (unless credited otherwise), and love tracking. I have Protools with a whole host of software that includes Melodyne, but I use it very infrequently (listen to my album “ Underground ” as an example).

(5) I use Arturia's Analog factory programme (wonderful Yamaha CS-80 sounds), controlled by my equally wonderful Axiom 25 , which controls all of my computer-based software. Since album 28 “ Parkour ” I have used Toontrack's superb EZDrummer for the majority of my drums. I love it! So authentic! Before EZDrummer I used a host of drum loops imported into the Boss or Boss' EZ Compose programmable rhythm.

(5) I tend to record my acoustic guitars on an old Yamaha MT100 analogue 4 track recorder , which gives a warmth and richness, then transfer to digital. Good examples are to be found on my album HELLO , where warmth, tape hiss, and natural distortion abound!

__________________________________________________________________________

Big thanks to Sean for sharing his ideas and insight into the creative process. I am officially setting aside 2 hours today just for writing, no interruptions allowed!

Meghan Morrison

www.meghanmorrison.com
@ MegsMorrison

Tweet hashtaggen # aiimm dela dina egna äventyr i Independent Music Making