Fra Scratch - Adventures in Independent Music Making

Vi har til vår egen Artist profil på festivalens hjemmeside :)

Vil la deg få vite ASAP nøyaktig hva natt / arena etc.

:)

Jeg ble invitert til å delta i en telefonkonferanse i kveld med Låtskrivere Association of Canada og Ariel Hyatt å diskutere min erfaring i Music Suksess i ni uker Blog Challenge , som en ny bølge av utfordrerne setter opp sine blogger og få girene går.

Du kan føle kontrasten av spenning og usikkerhet på linjen ... det er inspirerende. Så mange mennesker, som elsker låtskriving og utføre så mye at de blir å gå inn i utenlandske (eller ikke så fremmed) territorium å ta kontroll over deres online tilstedeværelse. Så mange spørsmål.

En av Ariel beste rådene:. "Tror ikke, jeg bare" Ron Hynes ga meg samme råd om låtskriving i sommer under SongStudio .

Det er så sant. Du må følge intuisjonen som fikk deg til dette i første omgang.

Tid for å omskrive min heis banen :)

Meghan

I fjor var jeg på en sesjon på å mestre under Canadian Music Week konferansen i Toronto, Canada . Rommet var fylt, fylt med mange uavhengige kunstnere som var ivrige etter å lære noen tips og triks for å mestre sin egen musikk (som selv-opptak blir mer og mer mulig og rimelig med moderne fremskritt i teknologi).

Presentasjonen var mindre enn tilfredsstillende, og jeg var (sammen med mange andre publikummere) frustrert, men jeg vet nå at det ikke var feil av panelet. Vi hadde alle gått i det venter å få råd, men fra det jeg har lært siden da, er å mestre en kunst og en veldig individuell prosess, så mange mestre ingeniører er motvillige til å gi råd til et rom av mennesker med forskjellige ører og ulike prosjekter med ulike formål. Presentasjonen var virkelig om å diskutere viktigheten og verdien av å mestre, det var ikke "hvordan" sesjon, hadde som mange av oss håpet.

Rundt samme tid møtte jeg Karl Machat av Mister s Mastering hus som senere skulle bli mestre ingeniør for min 2011 utgave, [Lark] Vi er alle født naken . Selv er jeg opptatt av å lære om å mestre for enkle hjem innspillinger som jeg kan sende ut som freebies i nyhetsbrevet mitt, kan ingen tips og triks erstatte erfarne ørene av en profesjonell som et album behov, så jeg valgte Karl.

I sin tur, var Karl snill nok til å svare på noen spørsmål om hvilke tiltak som jeg (og andre uavhengige kunstnere) kan følge for å bidra til å forbedre kvaliteten på våre selvbetjente mestret hjem opptak og hvordan du best forberede våre spor for å sende inn til en mestring ingeniør, hvis vi velger å gå den ruten.

Mastering Spørsmål fra Meghan Morrison:

• Vi vet alle at Mastering forbedrer kvaliteten på en innspilt spor / album, men hva er "mestring"?

Teknisk bør vi kalle det "pre-mastering", fordi mestring er hva som gjøres på CD-anlegget når glasset mestere er gjort. Men det er forstått, så alle bare kaller det å mestre! Bare for å få det litt ut av veien!

Mastering tar en samling av sanger (eg. for et album) og gjør dem høres ut som de virkelig hører sammen med hverandre - å sørge nivåer, tone og dynamikk er jevn fra sang til sang, men husk samtidig stilen på spor. Mastering tar sikte på en balanse mellom cohesiveness og individualitet.

Mastering (når du leie noen til å gjøre det) er en sjanse til å få en sonisk kritikk av miksen før du slippe løs den til verden, ved en frisk sett av ører. Det er nesten umulig å ha en klar idé om hvordan du høres etter uker og måneder med arbeid, med mindre du ikke lytter til den for, si, 6 måneder til ett år!

Et annet hensyn til mestring gjør at sjangeren er konkurransedyktig med lignende musikk på torget. Dette er mer en bekymring når mastering bare en enkelt sang.

Det er ingen riktig måte å mestre et spor: det er noen ganger så mye kreative som teknisk.

Mastering teknikker innebærer utjevning, kompresjon og begrensende - mye som å blande men generelt er mer subtil i sitt utbredelsesområde. Noen ganger forsterkende prosesser er brukt som slanger og tape metning. Andre ting er å styrke stereo bilde, for eksempel Midt-side teknikker - en spesialitet av meg. Fjerning av Odd klikk, brum, er Buzz eller susing også ofte nødvendig. Redigering er involvert også: trimming hodene og avskjær i en sang fil, og skape de riktige fade-outs og fade-ins.

Målet er å bevare de beste elementene fra en blanding. Mastering ingeniører bare gjøre hva som må gjøres. Dette er et viktig poeng å huske og forstå: Jo bedre en blanding, jo mindre "mestre" det vil være i sluttresultatet.

Men det er tider da en OK mix kan utvinnes i mestring scenen - men ikke satse på det!

Jeg ønsker å påpeke hva mastering er ikke! Det bør ikke bli sett på å fikse eller berge noe. Det kan ikke fikse en dårlig blanding, eller dårlig opptak teknikk. Den kan ikke endre de enkelte nivåene av instrumenter eller stemmer, men noen ganger - og bare noen ganger - du kan lage det inntrykket med forsiktig EQ, og kanskje, multiband kompresjon.

Hvis jeg tilfeldigvis få en miks som er «borderline» Jeg skal diskutere det med kunstneren min første. Jeg vil prøve å redde dem tid / kostnaden for en remix når det er mulig så jeg er villig til å gjøre litt utover hva som regnes standard mestre praksis om nødvendig for å redde et spor.

Når du får sporer mestret kunstneren har en avgjørende ord i resultatene btw!

• For kunstnere som ønsker å selv ta opp, hva kan tipsene du gi dem til å bruke under blanding slik at når de sender det til deg som skal mestres arbeidet ditt vil være mer effektive eller enklere?

Generelt:

Bruk den beste lydgrensesnitt mulig.

Bruk den beste høyttaleren overvåker mulig og plassere dem riktig. Lytteposisjonen og de to skjermene skal danne en likesidet trekant.

Være kjent med ditt lytterom.

Det kan være veldig frustrerende for mestring ingeniør om kunstneren klienten audition prøver på en mindreverdig avspilling system / miljø og kritisere hva som kan faktisk være en svakhet i deres egen overvåking oppsett.

Også: tidsfrister er - av tidsfristene. Gi om 2-3 uker planlegger for et helt album mastering prosjekt. Ha respekt for den mestre ingeniør tidsplan. Ellers vil du mest sannsynlig bli vist utgangsdøren!

Opptak:

Lytt nøye til forvrengning. Denne (som reverb) kan ikke tas bort. Re-innspilling er det eneste alternativet å korrigere dette. Bare fordi du ikke treffer 0 dB på din DAW i meter betyr ikke at du kanskje ikke har overbelastet en komponent sted tidligere i opptak kjeden: en forforsterker, for eksempel, eller kanskje det er en feil patch kabel.

Bruk høy kvalitet filformater: WAV eller AIFF på 24 bits eller høyere.. Bruk minimum samplingsfrekvens på 44,1 kHz. Høyere samplingsfrekvens er bra .. men (!) .. Hvis du skal til en CD-format bruk samplingsfrekvens i multipler av 44.1k. Så 44,1 kHz, 88,2 kHz, eller 176,4 kHz, osv. Hvis du vet at du bare noen gang kommer til en video medium da bruke 48 kHz, 96 kHz, etc.

Aldri, aldri, bruke mp3 eller andre data reduksjon format som en levering medium: Du vil aldri komme hva de tar unna og de høres forferdelig uansett!

Få så mye av lyden rett på dette stadiet så mye som mulig, snarere enn å hope seg opp effekter i miksen scenen.

Blanding:

Do - alt - du kan for å gjøre blandingen slik du vil den skal høres. Ikke senere finner ut at gitarene eller vokal var ikke høyt nok og overlater til mestre scenen for å prøve å fikse det. Ikke la slike ting for mestring ingeniør for å ta vare på. Den legger til tid, og virkelig, er det endelige to spor miksen fil ikke det beste stedet å reparere ting som det, selv om det var mulig.

Også ikke prøve å gjøre noen del av mestring ingeniør jobb uansett grunn. Jeg hadde engang en klient sende mikser som alle ble maxed ut nivå klok. De ønsket bare å sørge for at EQ var konsistent fra spor til spor. Glem det faktum at hvis du EQ'ing etter at du har maxed ut nivåer, du fortsatt trenger å begrense igjen for å kontrollere at du ikke kommer over 0 dB, den ekstra problemet her var kunstneren endte opp med å skape forvrengning i hver sang fordi han ikke kunne høre det på sin overvåking system!

Andre tips:

Bruk et høyt pass filter på hvert spor.

• Mener du hver enkelt gitar, bass, vokal, etc. spor? eller på master fader da spretter hver sang?

Jeg mener for hvert enkelt spor / instrument i mix din - dine gitarer, bass, vokal, trommer, osv. Dette fjerner bygge opp og akkumulering av lavt nivå Sonic gjørme som spiser opp dyrebare lydnivåer i sluttfasen. Teknikken for dette er å starte ved 20 Hz og sakte bevege seg oppover til du hører et tap av lave frekvenser. Stopp på det punktet og lavere sakte til du gjenopprette denne frekvensen - det er innstillingen for den aktuelle instrument.

Bruk lav pass filter på alle banene. Dette hjelper med å redusere opphopning av støynivået fra hver bane, og også med noen digital "edge-iness '. Teknikken er den samme som ovenfor, unntatt i revers: starter på 20 000 Hz (20 kHz) og sakte gå lavere i frekvens til du hører et tap av high end. Stopp der og flytte opp til du gjenopprette det tap.

• Og hvor mye av disse lave og høye pass filter bør vi bruke?

Bruk en for hvert spor / instrument i verket ditt.

• Eventuelle anbefalte innstillinger?

I begge tilfeller må du bruke ørene til å kontrollere at du ikke fjerner noe musikalsk innhold du vil beholde. Innstillingene bestemmes av frekvensområdet av hvert instrument på hvert spor.

Demp alle og eventuelle områder som ikke er nødvendige for miksen. Dette bidrar til å minimere støy problemer som nynne, klikk eller susing.

Sjekk alltid at miksen sparker rumpa i mono! :)

Hvis du prøver å etterligne visse aspekter av en kommersiell sang, skru ned volumet på den sangen for å sammenligne med mix din bedre. Kommersielle spor er på et mye varmere nivå enn den endelige miksen.

Unngå å gå overbord med effekter: mindre er bedre. Bruk akkurat det du trenger.

Ta hyppige pauser. Alltid lytte med friske ører. Unngå å gjøre alt på en gang eller hele natten.

Og igjen: ikke gjør den endelige miksen høyt. Gi masse headroom til å jobbe med: -3 til -6 dB er fint.

Unngå eventuelle virkninger / setter på hoveddisken buss unntatt kanskje en god RMS meter.

• Hva er en RMS meter? og kan du anbefale et bestemt merke / produkt?

En RMS meter måler gjennomsnittlig nivå. Deres målinger samsvarer nærmere til måten det menneskelige øret hører. Målet for en RMS nivå -20 til -14 dB, og som også bør ta vare på dine toppnivåer ikke treffer 0 dB.

BrainworX, Blue Cat Audio, og Audio Pluggers er bare noen av selskapene gjør måling programvare. Jeg har rangert dem etter preferanse min:

http://www.brainworx-music.de/en/plugins/bx_meter

http://www.bluecataudio.com/Products/Product_DPeakMeterPro/~~V

http://www.audiopluggers.com/kmeter/

Folkene bak denne dynamiske området meter i linken nedenfor er en del av en bevegelse prøver å gjenvinne dynamikk og liv tilbake til musikken ved å spørre fagfolk til å ikke be om slike høye herrer. Det pleide å være gratis, men nå er de ber om en donasjon. Da jeg var på stedet nylig, men det syntes å være in-aktuelle eller FN-relaterte bemerkninger (spam?) Igjen "ubevoktet" i kommentarfeltet, så i øyeblikket mens jeg er alt for lavere nivåer og mer dynamisk rekkevidde, gå til dette nettstedet på eget ansvar:

http://dynamicrange.de/en/tt-dynamic-range-meter-plugin-all-platforms-available

Det er et gratis meter tilgjengelig, men det har en vintage look, så jeg vet ikke hvor nyttig det vil være til noen folk. Når du bruker den, må du sette den til VU innstillingen.

http://www.pspaudioware.com/plugins/tools_and_meters/psp_vintagemeter/

Og når mer: unngå å treffe 0 dB på den endelige miksen på alle kostnader! Det er biggie!

Hvorfor? De avkuttede 0 dB poeng kan og vil bli forsterket i løpet av mestring og resultatet vil være mer forvrengning i de endelige resultatene.

Kreativt, holde de viktigste elementene i en blanding - spark, bass, skarptromme, stemme - sentrert i en blanding. Rytmeinstrumenter bør generelt være sentrert, men nå må du forsiktig at de ikke slåss med stemmen. (Husk å sparke rumpe i mono!)

Pan nøye - du vil at venstre-til-rette balansen å være like. Bruk en kort forsinkelse (mindre enn 25 ms) for å sende harde panorert spor til det motsatte kanal (på et lavere, filtrert nivå) for å bidra til å balansere og blanding stereo bildet bedre.

Også hvis du vet den rekkefølgen du vil at sangene i, la mastering ingeniør kjenner fra starten. Et triks er å sette nummeret på sporet før sangtittelen som dette: 01 Song One; 02 Song To: osv. La ham / kjenner henne albumtittelen, artistnavnet, og de endelige titlene for sangene.

Gi din ISRC og UPC / EAN koder til ingeniør. For ISRC koder kan du søke her (for Canada):

http://www.avla.ca/isrc/isrc-application-form.aspx

La noen stillhet på starten og slutten av ferdige mix filer. Den mastering ingeniør kan ta vare på trimming og fading. Hvis du har en spesiell fade, gi ham / henne start og sluttpunkt av fades.

Kommuniser med ingeniør din! Tilby dine tanker, og være tilgjengelige når du trenger å svare på spørsmål!

Ved å gi den mastering engineer mindre å "fikse", gir du henne / ham mer tid til å få "kreative" og faktisk konsentrere seg om mestring.

• De fleste kunstnere har ikke tid eller lyst til å spille / redigere / master, men for de som er interessert, hvor kan de lære å mestre? Lære dere folk?

Jeg lærer ikke, men det er dette online-program:

https://www.berkleemusic.com/welcome/izotope

• Har du noen enkle mastering triks som kunstnere kan bruke til å forbedre kvaliteten på hjem opptakene de kan sende til fans i nyhetsbrev eller gratis nedlastinger, men vil aldri være pitched til etiketter, radio eller film (som du trenger profesjonell mestring for) .

I tillegg til å blande tips:

Jeg skal anta at du ønsker å vite om lydstyrken aspektet. Ellers hvis du vet at du gjør du er egen mestring, gjør miksen lyden akkurat som du vil at det skal høres, men uten å bekymre deg loudness, først og gjengjelde en to spor stereo fil.

Deretter kan du bruke noen av disse ekstra ideer.

Og alltid bruke ørene som den endelige dommer.

Parallell kompresjon: den bevarer de kraftige delene bedre og legger til kropp og fylde til en blanding når de brukes riktig.

• Hvordan søker man "parallell komprimering" ... er det et alternativ i en standard "kompresjon" insert? hvor finner jeg det å bruke den?
  

Ta endelig 2-spors miksen og lage en kopi av det og stille kopien opp i DAW ditt direkte i sync med, og under den opprinnelige. På kopien skal vi klapse en enorm mengde komprimering: bruk en ratio på 2:1 eller 2.5:1 ved en terskel -50 dB med raskest mulig angrep tid. År tid bør være fra 200 ms, å så mye som 500 ms, eller mer. Bland dette med den opprinnelige un-behandlet fil - utgangsnivået for den komprimerte filen er den kreative delen. Vær svært forsiktig at den opprinnelige og komprimert filene er i perfekt justering eller du vil ha store problemer med fase avbestillinger.

Du må søke å begrense etterpå bare for å sikre at du ikke får noen digitale overs (gå over 0 dB).

Mest skikkelig utformet begrensningskontroller og de i de fleste store DAW s kan håndtere 2-3 dB begrense ganske gjennomsiktig. Et bedre alternativ for å mestre limitere er PSP Xenon eller Voxengo s Elephant. UAD sin Precision Limiter er utmerket, men trenger en installert kort. Den nye Ozon 5 Maximizer er utrolig, men som elefanten, gir det en nesten forvirrende mengde valg nå.

(T-Racks 3 faktisk har noen anstendige forhåndsinnstillinger som ikke suger og trenger minimal eller noen ganger ingen tweaking).

Begrens maksimal topp produksjon til -0,3 dB for WAV and.aiff filer. For mp3-filer og deres tilsvarende, begrense maksimaleffekten til -2,0 dB. Det er fordi, når du gjør til lav kvalitet formater som at de ikke "adlyder" Begrenseren innstillinger og ofte går over grensen. Den -2,0 db innstillingen er et sikkerhetsnett for å sikre at du aldri treffer 0 dB.

Også for mp3-Lavpassfilter ut til 15 kHz.

For RMS nivåer: Jeg liker å ha min mestere "hover" rundt -6 dB RMS for maksimalt. Det etterlater fortsatt litt rom for dynamikk og samtidig være konkurransedyktig. Selvfølgelig, det betyr ikke at du har oppholdt deg "låste" på dette nivået - når en sang er roligere deler, la dem være stille.

Punktblanding (ikke avkorte) dine endelige filer etter begrense til 16 biter.

For EQ prøve noen av disse ideene ::

Først skjønt, fordi du har gjort blanding selv, hvis du oppdager at du kutte / øke mer enn 3 dB - STOPP - gå tilbake og remix. Du har gjort noe galt!

Skjær ut frekvenser under 20 Hz hvis du gjør en klubb blanding. Ellers bør det ofte være trygt å kutte under 40 Hz men hør først! Som spiller selv, er det ingen regler.

Menneskelig hørsel er mest følsomt i 3 kHz - 6 kHz, så med mindre du allerede har gjort det, kanskje en liten boost på rundt 1 dB hjelp med loudness persepsjon og kanskje klarhet i tillegg

Et alternativ kan være å kutte rundt 1 dB i regionen 200-500 Hz. Med en skjære som dette kan du også tenke på det som å forsterke bass og legge noen klarhet samtidig.

Før det blir for komplisert, kanskje litt ekstra varme være hatt (hvis nødvendig) ved å kutte en halv til en dB på rundt 7-8 kHz, og til slutt en halv til en dB boost rundt 14-15 kHz for litt luft.

Det er meget mulig at alle disse forslagene kunne helt tank, også, fordi de bare kan være upassende for miksen. Det er en 'øre' kunst!

Til syvende og sist trenger man å høre blandingen i spørsmålet før forslag eller anbefalinger!

Det er viktig å forstå at det er vanskelig eller nesten umulig å generalisere fordi mestring ikke gjøres ved formel. Hvert mix er annerledes: hva som fungerer bra for en blanding kan være elendig i en annen. Dette er grunnen til mye av å mestre ingeniører ikke vil gi sine tanker om hva som er best å gjøre, fordi mange glemmer at hver situasjon er unik. Den store hemmeligheten er det ingen hemmelighet.

Mine siste ord:

Den magiske starter med sangen. Hvis det er riktig, faller alt annet på plass!

Følg din inspirasjon og være tro mot den til slutt!

• Takk for å gjøre dette Karl! Du rocke! :)

Wow, har det egentlig vært 5 måneder siden jeg postet på bloggen min? Hvordan skjedde det?

Hvordan kom jeg gå fra blogging religiøst gang i uken for et år og deretter forsvinne helt? ... Noe å reflektere over, mener jeg .... kanskje fagstoffet for en ny bloggpost :)

Ser vi på det siste innlegget, tenkte jeg det ville være hensiktsmessig å gjøre dette en av de FAKTISK videoen vi filmet den dagen med videografisk magi Adrian Vieni (Wood & Ledninger) og akustisk awesomeness av en TrueAxe Guitar .

Her er «The Weather Girl" akustisk ....

Lyrics:

Gresskledd grønn og glatt, visste hvem som spøkelser vokser som ugress?

VÆRINFORMASJONEN JENTA betror seg til regn, finner hun sin gave utenfor. Hun finner sin vei inn i det lyse, hvite lynnedslag

Det setter en brann i august regn, eksploderer og blåser jenta ned. Elektrifisert av den lyse, hvite lyn stike. Den lyse, hvite lyn ...

Vind sokk sier klarvær fremover og ekstra sensoriske bivirkninger

Nå i en atmosfærisk tilstand, i halvsøvne, halvt våken
Kroppen hennes stiger i den lyse, hvite spekteret er lys

www.meghanmorrison.com
@ MegsMorrison

Mens vi ventet på vår TrueAxe Guitar video skyte med Wood og Ledninger Productions sist torsdag, brøt bandet ut i sin egen tolkning av sangen min, " Motvillig ". Det var for morsomt til å stoppe, så Adam grep hans laptop, begynte å fange deres tolkning av " Still ", og deretter lastet den til YouTube for oss. Jeg kan ikke vente å gå på tur med disse gutta. Det kommer til å være dum :)

www.meghanmorrison.com
@ MegsMorrison

Siden starter mitt ukentlige web-basert musikk presentere et år siden, har jeg vært brainstorming forskjellige måter å bidra til å få musikken av de utvalgte kunstnerne (samt min egen) ut til flere mennesker. En slik ide var podcasting , noe som ville gjøre det mulig fans å laste ned musikalske høydepunkter fra webcast etter at live stream er ferdig og ta det uansett hvor de går på den enheten de ønsker.

Etter å ha hørt om engasjement og sorger Brad Gulka ( @ BradMezmo på Twitter), min trommis, har ivrig tatt på som en av grunnleggerne av Comma Feil podcast lag, tenkte jeg det ville være klokt å snakke med noen flere podcaster veteraner under forsøk å finne ut hvordan å starte min egen bærbar lyd show. Som sådan, kontaktet jeg Eban Crawford (som har vist noen på mine sanger på podcast hans, nå for Lucidity) og Michael fra MikeyPod (en musikk-og intervju-basert podcast) som jeg har hatt kontakt med på Twitter de siste månedene . Begge var glade for å svare på noen spørsmål jeg hadde om sine podcaster opplevelser, og mer spesifikt, og starter en podcast fra scratch (takk Michael og Eban!). Her går vi! ...

1) Hva inspirerte deg til å begynne podcasting?

Eban (RFL): "Tilbake i 2004 jeg bodde i England med min kone og gjorde mitt levende selge min kunst på nettet. Effie fikk da virkelig syk og måtte gå gjennom akutt kirurgi. Etter nesten å miste henne, og deretter den lange utvinning, mistet jeg interessen for maleriet. Jeg kunne bare ikke male lenger. Å være en kreativ person, jeg trengte noe å fokusere min energi på, så jeg snudde på musikken min og senere oppdaget podcasting. Jeg satt opp RFL først som en respektløs nyheter program, som ikke fungerte så bra, så i 2005 jeg snudde for å fremme indie musikk. I 2006 ble jeg signet Podshow (nå Mevio ) og jeg dro derfra. Støtte til indie musikkscenen ble en lidenskap for meg. "

Michael (MikeyPod): "Sommeren 2005, min venn Richard Bluestein (aka Madge Weinstein ved yeastradio.com hadde) nettopp startet sin podcast og oppmuntret meg til å starte en altfor så var det svært få homofile podcastere på den tiden. Jeg hadde en ganske god fellesskap av venner på LiveJournal på den tiden så jeg tenkte det kunne være en annen god måte å samhandle med mennesker over internett. Jeg var ikke sikker på hva jeg skulle snakke om, men da jeg hørte en annen podcastprodusenten diskusjon for en god 20 minutter om hvordan han sorteres hans vaskeri og innså at jeg kunne være minst like interessant, så ga jeg det en sjanse. "

2) Hvordan gjorde du det? Hvordan fikk du setter opp en podcast?

Eban (RFL): "Ved første, jeg bare spilt inn audacity med en billig mikrofon jeg hadde liggende rundt. Jeg startet hosting showet mitt på min egen server. Som jeg snudde showet til en musikk-podcast, begynte jeg å lære om opptak og begynte å forbedre mine produksjonen ferdigheter. Jeg gikk fra Audacity til PodProducer i 2005. PodProducer tillot meg å cue sanger og støtfangere lever, som på radio.

Jeg likte å produsere denne måten, men min lyd var fortsatt av. Jeg begynte å bruke Sony Vegas og kjøpte en Behringer mikser og noen bedre mikrofoner. Min lyden ble bedre og rundt den tiden fikk jeg min kontrakt med Mevio og begynte hosting mine show på Mevio servere.

Gjennom årene forbedret jeg min produksjon og syklet gjennom gear. Nå er jeg fortsatt hosting ved Mevio og min hovedgiret er sammenkoblet ned til Ableton Live , Sony Vegas , M-audio grensesnitt , og min Zoom H4n som jeg kjøre min Blue Ball mikrofon . Jeg bruker også Sony Vegas til å produsere min animasjon og video. Jeg skaper min animasjon ved hjelp av produkter fra Reallusion , som inkluderer Crazy Talk, iClone, og Crazy Talk Animator Pro.

Michael (MikeyPod): "Jeg startet med bare et opptak-seeing tur til en fjerdedel av juli hendelse på en liten håndholdt diktafon. Hvis jeg husker riktig, redigert jeg det med frekkhet og så lagt den gratis på archive.org . Deretter setter jeg opp en gratis blogg på blogspot som vert podcast. Ganske snart etter at jeg betalte for mitt eget domene og hosting, noe som egentlig ikke er så dyrt. "

3) Hvilke ressurser vil dere anbefale nå?

Eban (RFL): "Jeg har alltid, og alltid vil foreslå hosting forestillinger på Mevio . Jeg har vært med dem siden 2005 og har aldri hatt et problem. Alle kan registrere seg for en konto. Det er gratis og hosting er bunnsolid. Du kan være vert det og bruke sidene sine som viser området, eller sette show på ditt personlige område i tillegg.

Som for utstyr, anbefaler jeg å holde det enkelt. Jeg har mye fint utstyr, men bruker jeg det for min musikk. For showet mitt er det en DAW , i dette tilfellet Ableton Live eller Sony Vegas , og min H4n . Jeg anbefaler alle å få en H4n hvis du er i opptak. Det kjører ca $ 300 dollar og er verdt langt mer. Siden det er også en flerspors opptaker med fulle effekter og produksjon potensielle, kan du teknisk produsere et show med bare at en del av utstyret. Jeg har brukt det på den måten i eksterne situasjoner før. Det er bra om Sony Vegas er at det er ikke bare en full kjennetegnet DAW, men en fullverdig video produksjon suite også. To fluer i en smekk, eller i dette tilfellet, prislappen.

Som for et nettsted, kan jeg ikke anbefale WordPress nok. Going to WordPress.org er alright, men en selv-vert WordPress installasjon er uslåelig. "

Michael (MikeyPod): «Cliff Ravenscraft på podcastanswerman.com er en podcasting kraftpakke, ekstremt kunnskapsrik og en virkelig flott fyr. Jeg bruker powerpress fra blubrry.com som gjør det veldig lett å legge podcaster på min WordPress blog. Selv om jeg ikke vert mine podcaster der, meg selv, jeg vet du kan betale for hosting ved blubrry.com også. "

4) Hvor ser du etter inspirasjon / saksforhold?

Eban (RFL): "For musikal, Reaching for Lucidity Indie Music Blast , er det aktuelle hendelser og flott musikk. Likevel, jeg bare legger ut et show i disse dager når jeg føler for det. Jeg la inspirasjonen finner meg nå i motsetning til de tidlige dager da jeg skulle jobbe dag inn og ut for å få mine viser gjort.

Den RFL Animert Adventures serien er bare bygget rundt tilfeldige tanker som streifet meg. Seriøst, jeg bare ta hverdagslige ting jeg ser, hører, eller komme opp med internt og deretter blåse disse tankene ut av proporsjoner. Jeg tok en pause fra å produsere for en stund, men den nye sesongen av den animerte Adventures girer opp akkurat nå. Hvis noen leser dette er interessert i å gjøre noe stemmeskuespill, holde et øye på nettstedet mitt som jeg vil legge ut støping samtalene snart. "

Michael (MikeyPod): "I mine mer aktivistiske dager, var det ganske lett å finne inspirasjon. Jeg ble motivert av ting som jeg syntes var urettferdig i verden at jeg ønsket at folk skal vite om. Dødsstraff, dyr rettighetsspørsmål, krigen i Irak. Nå som jeg fokusere mest på musikk, pleier jeg å finne artister som jeg liker og er tilgjengelige og følger sporet av musikere som omgir dem.

En av mine favoritt intervjuene var med Christopher Willits . Jeg prøvde å få et intervju med Ryuichi Sakamoto, men min kontakt på etiketten hans sa det ville ikke fungere ut, men hva om denne fyren? Intervjuet var fantastisk og Christopher Willits har blitt litt av en inspirasjon til mitt eget arbeid i tillegg. "

5) Hvor tidkrevende er det å publisere en podcast?

Eban (RFL): "Det er helt opp til podkaster. Da jeg startet, var innspillingen ganske kort. Jeg brukte mer tid på å finne musikk og emner for showet. Som du går og du lærer mer produksjon, kan det bli kortere eller lengre, avhengig av hvor dypt du går.

Finne mine segmenter, musikk og gjør mitt løs skisse script fortsatt tar mye mer tid enn å produsere. Selve innspillingen av en typisk lyd showet tar omtrent en time og innlegget mitt produksjon tar en time eller så. Jeg har mye av min produksjon automatiserte nå, slik som vokalspor behandling og slikt. Produsere en animert episode er en god uke eller mer av livet mitt, inkludert skrive manus og få mine skuespillere og slikt. "

Michael (MikeyPod): "Det kommer an på hva du gjør. Da jeg først begynte jeg likte å gjøre intervjuer, tok de en god del tid. Jeg måtte kontakte personen jeg ønsket å intervjue, avtale en tid som fungerte for oss begge, forske personen, gjør selve intervjuet, redigere den og deretter legge intervjuet. Det var virkelig givende og jeg møtte noen virkelig kule folk på den måten, men, mann, det er alotta arbeid! Nå gjør jeg det meste musikkshow som er mye lettere som jeg kan gjøre det på min egen plan. Det tar litt tid å kontakte artister og etiketter for tillatelse, og deretter velge sanger og sette dem i en sekvens jeg liker (jeg er litt masete om dette), men alt i alt er det en mye raskere prosess. "

6) Hvordan øker du dine stemmer / antall lyttere?

Eban (RFL): "I motsetning til filmen Field of Dreams , bare fordi du bygger ikke det betyr ikke at de vil komme. You have to earn your audience. Work it . Get into sweat equity . Meet others, both online and in the real world and always have your elevator pitch ready. Be excited when you talk about your show and let others feel it.

Sosialt nettverk og få ord ut på den måten med andre podcastere og sosiale nettverkere. Aldri snakk om showet ditt som om du unnskyldte, eller som om ditt show er dårligere enn andre. Selv nedgraderingen er ikke en fin måte å få folk til å lytte til showet ditt. Alltid opptre som om din er av den nyeste og beste show rundt. Din show er like god, og ofte bedre enn show som er mer populære. Opptre som det.

Alltid engasjere lytterne. Aldri holde tilbake, kan folk si når du er falsk det. Hvis du er vill, være vill, hvis du er morsom, være morsom, hvis du er stille, være stille, hvis du er kontroversiell, være kontroversielt. Ikke late som noe du ikke er, eller at du skulle ønske du var. Vær deg selv.

Husk SEO . The search engines still to this day only see and catalog your text. They can't see your video or audio content, so use your show notes to your advantage. Write in simple and complete sentences and don't try to game the system by keyword stuffing . Write your notes naturally. Use tags to your advantage. Get an account with Feedburner and set it up for podcasting. Set all the iTunes options. Get a Technorati account and claim your site.”

Michael (MikeyPod): “Honestly I really worried about subscribers and downloads much more in the beginning. I think of it more as a hobby now and rarely check my numbers. The things that helped in the past tho were interacting with other podcasters, and social media sites . One thing I have noticed with Twitter is that if I make an effort to really interact with people there, other users are more likely to follow me.”

7) What has been the biggest challenge for you since starting your podcast? How did you overcome this ordeal?

Eban (RFL): “This may sound weird, but I don't abide challenges. There will always be tech glitches and such, but those things are no big deal. If a serious challenge comes up while I am producing a show I just walk away and move on. This is fun for me, if it stops being fun, I take that as a sign and go into my next project. I have many times abandoned a show that was not working and then came out with a different show instead that just rocked. At first I would stick with shows that were not working and the finished product was never really good. Keep it fun is my advice.

The only other challenge that every podcaster needs to deal with is growing a thick skin. There will be haters. Not just mean people or people you don't know, but even some close to you that feel they are being constructive in their criticisms or may just be jealous. Don't let it get to you, ever. That is of course easier said than done. A million people can tell you that you are doing well, but if one person attacks you, guess which one sticks in your head most of the time.”

Michael (MikeyPod): “I think the hardest thing for me was when I would put out a podcast with a topic I was extremely passionate about that got me little feedback. I would be so fired up about something and expect the whole world to stop and go up in arms with me. I found myself getting really angry with my friends and just society in general because they weren't responding the way I wanted them to. I think that's a big part of why I switched to doing just music podcasts. That doesn't feel balanced either, but for now, it's a good solution.”

8 ) Do you have any examples of moments that made you feel “This is why I love podcasting!”?

Michael (MikeyPod): "Det er et par av dem. Når jeg først flyttet til NYC fra Houston i 2006 jeg forbundet med Eva Beglarian , en komponist som jeg elsket og hadde intervjuet for podcasten . Jeg avviklet leve med henne for min første sommer der som hun trengte noen til å holde et øye med leiligheten hennes, og jeg hadde ikke noen penger å betale leie. Vi har blitt venner, og hun har blitt en slags mentor for min egen komponering.

Jeg bodde på Koinonia Partners , en tilsiktet samfunnet i Americus, GA i flere måneder før jeg kom til NYC. Det var en annen opplevelse som jeg ikke kunne hatt det ikke var for podcasting. Jeg var heldig nok til å få til å intervjue Habitat for Humanity grunnlegger, Millard Fuller før han gikk bort. snakke med ham var en av de mer meningsfulle øyeblikk av livet mitt. Han var enormt inspirerende. "

9) Where do you think the future of podcasting is going?

Eban (RFL): “This beast that is podcasting is almost unrecognizable from what it was at the beginning. Being one of the first and seeing all the changes along the way, I really can't answer this. I am however curious to see where it heads next. Podcasting is really exciting, even now as I am not as active as I once was.”

Michael (MikeyPod): “That's a really interesting question for which I have a really lame answer: who knows?! :-) Seriously, I think the really great thing about podcasting is that it can be whatever you want it to be. For me, it's a great way to share music I love with others. For someone like Cliff Ravenscraft (who I mentioned earlier), he found a way to make podcasting his sole source of income and he reaches so many people in really inspiring ways. So, because it's such a flexible medium, it's becoming many different things for many different types of people.”

10) What advice do you have for an artist like me who wants to start their own podcast?

Eban (RFL): “Just go for it. Start producing and learn as you go. Build your momentum and never look back. With that said, don't force it if it is not working at the moment, just move to your next moment and rock it.

It is not your hosting, your gear, or any other outside factor. It is your enthusiasm and content. Make it fun and interesting and everything else will fall into place.

I am always available through email at ebancrawford (at) gmail (dot) com to help any podcaster that may have questions. I may not produce as much as I once did, but I still love podcasting and helping others that may be starting out.”

Michael (MikeyPod): “Make like Nike and just do it . I really believe that action precedes inspiration sometimes. I'll be really interested to see what you come up with and may be looking to you for some inspiration, too, as my focus shifts more toward creating my own music.”

***

I think I'm ready to start creating my first podcast! I already have WordPress installed on my website (thanks to my awesome web guy, Byron McQuay at OneDesign ), recording and editing gear, lots of guests to draw content and inspiration from and social network with, and now some great insights into the challenges and rewards that lie ahead :) (I also dug up some helpful hints from the itunes website that you might find handy).

Big thanks to veteran podcasters, Eban Crawford ( Reaching For Lucidity | on Twitter -> @RfL_Productions ) and Michael ( MikeyPod | on Twitter -> @MikeyPod ) for sharing their experiences and advice!

Happy long (Victoria Day) weekend!

Meghan Morrison
www.meghanmorrison.com
@MegsMorrison

Image “My Mini Podcasting Studio” courtesy of Sebastian Kupers CC-BY-SA 2.0

“I'm just gonna lie here and fish in my mind”…

Sounds like it could be a lyric to a song, doesn't it?

The jelly fish whispered words of wisdom when I put him in my ear.

He said, “You've learned alot about the sea, my Dear, now it's time to use your fins”.

Last week I didn't want to blog … at all. When I don't want to do something I really enjoy, it usually means one or two things:

a) I'm burnt out or

b) The purpose of the thing is changing

I am relieved to say that this time it is the latter.

I am so inspired to create right now (which is what being an artist is all about), but my blog is very ' Left Brained' . It feels like an assignment instead of a mode of expression.

Now that I am 3 articles into my monthly column on Women's Radio , I feel the need to divide my brain a little more for these projects. The articles on WomensRadio are the resource-based accounts of my adventure that I hope other independent musicians will find useful. It is time, however, for this blog to become a more personal and creative representation of who I am as an artist and a person; A brief, weekly insight into my oddball mind that my followers who aren't musicians can relate to along with my fellow musicians (because we're all a little weird in our own way, aren't we?).

One week it may be a poem based around an image of me doing something silly. Another week it may be straight up philosophy and reflection. Perhaps sometimes it will be a piece of art I have created or a song I have recorded… it could be anything. It will be whatever I'm inspired by, not just thinking about.

* “I can't even think about wading right now. I'm just gonna lie here and fish in my mind.” is a phrase that caught my eye when I googled “the fish in my ear said” . It's on page 77 of this edition of F ield and Stream and was said by angler, Colby Lysne.

Meghan Morrison

www.meghanmorrison.com

With the digital revolution vastly changing the face of the music industry, as well as how fans encounter and use new music, it is imperative for artists to 'keep up with the times'. And, with the convenience of the Internet and downloading, there has been an underlying push over the last few years to deliver fresh content to fans on a more frequent basis, in order to stay on their radar and satiate their desire to have more from the artist. But, is there a point where servitude becomes disadvantageous in the new music industry?

Last week, I read an article by Minh Chau called “ The problem with releasing a single each month “. Chau's reflections on whether it is better to give in to our convenience based society or take a 'controlled inconvenience' approach helped me settle the debate that has been on the back of my mind for quite some time now.

Singles are the reason for why many people bought albums in the past. They wanted one song, but had to purchase the entire album to get it. Today, no one needs to buy an entire album anymore… they don't even have to pay for it because it is so easy to download music illegally. iTunes, artist websites, and other online retailers make it very easy to sample songs and only buy the ones you like.

So, if people are only buying one or two songs, why would an artist want to spend so much money recording a full album? Why not cater to the fans and give them a new single every month? Even with my own strong affinity for the romance of albums, this is something I had been considering doing for the sake of 'keeping with the times'. The danger with this, I now see, is two-fold:

Firstly, it is difficult to create buzz and excitement around one single release every month (see Chau's article ). The time and money needed to properly promote my music as a whole would be wasted, because I would be moving on to the next release before the buzz from the first has run its full course. Also, there are more ways to promote an album (and the singles on it), which allow me to create new ways to engage fans each week/month while promoting a bigger body of my art.

Secondly, by becoming a servant to the fans … I become a servant to the fans… and I devalue my own work (see Herbert's article ). Don't get me wrong, I want to be giving with my fans and serve a purpose in their lives, but that doesn't mean I should make myself a slave to that effort. Fans value artists that they see as leaders, role models, and strong, inspiring individuals… not as pan handlers. I want to inspire, not beg.

Because people today expect to have free access to any kind of information or digital file at the touch of a finger, the things they can't have on demand become more valuable (if the product is good). According to Wary Herbert 's research, valuing something through a sense of scarcity may be part of our human nature. Antiques and diamonds are expensive and valuable because they're not easy find. They are desired because of their inconvenience and limited supply.

As such, it still makes sense in the age of downloads to release a full album once every 1-2 years. Unless, of course, your artistic vision dictates otherwise. Sean T Wright is a good example of how a goal-oriented monthly release can challenge an artist and draw attention to one's work.

In summary, I'd rather be a boat with oars and sails navigating my course on the moving waters, than a duck's feather that floats (and gets pulled under) at the whim of the current. We are almost finished writing the next album and that is exactly how we will be releasing it :)

Inntil neste uke,

Meghan Morrison

www.meghanmorrison.com
@MegsMorrison

Tweet hashtag # aiimm å dele dine egne Adventures In Independent Music Making

Image “ BSS 01 ” by Ana Gilbert courtesy of Buraka's Black Diamond . License CC-BY-SA 2.0

In a blog recently forwarded to me from the Songwriters Association of Canada , producer Douglas Romanow discussed the ' magician's rule #2 for songwriters ', stating that songwriters should “never perform the same trick twice for the same audience” and recommended co-writing as a strategy for developing new 'tricks'.

I have collaborated with other musicians in the past, but up until this past Friday, I had never co-written a song with someone from scratch… I suppose, though, there was this one time that my brother and I wrote a parody of Eagle Eye Cherry's “ Save Tonight “. We were young and silly, so naturally our rendition turned to potty humour (including a lyric about toilet bowls being on fire).

There is a lot of support in the industry for co-writing, especially from recording studios, producers and songwriting associations. As the saying goes, two heads are (often) better than one, so problem solving becomes more fruitful (unless the minds in those heads simply do not gel) and having someone to bounce ideas off of can lend new approaches to one's craft. Furthermore, co-writing with experienced songwriters who have had commercial success with their songs can be an incredible learning experience and may open doors to contacts for placement of your own music. There are a number of other benefits, which Bronson Herrmuth has summarized in a great list of reasons to co-write.

I have been wanting to collaborate more with other songwriting minds lately. So, naturally, I was thrilled to be invited for a co-writing date with Heather Hill (a fellow SAC member. She also performed on my webcast at the end of Season 1 )

Aside from feeling a bit insecure in my ability to co-write, I was also in the middle of finishing lyrics to a song I am writing for the next album and was worried that I wouldn't be able to turn that song off in my head in order to create something fresh. Heather, on the other hand, co-writes often and with many people. Like a real professional, she was very prepared and had many ideas for themes already jotted down before I arrived.

Heather was really inspired to write a song that expressed appreciation for strong women who work hard, but aren't always recognized for it. With the way she lit up when talking about this particular song idea, I knew it was the song we had to write together. You have to go with that kind of energy.

We started by doing a free-form brainstorming session. When writing for myself, I would normally start with object writing , create a word cloud with the ideas and phrases that jump out at me , and then build the brainstorm out from those core words/phrases. This time, I thought I would embrace the opportunity to try something different and let myself bounce between the approaches throughout. This resulted in a few short object writes for character development and some messy word clouds that somehow turned into a poem. Heather used the Internet as a resource and pulled out some idioms and other themes from cyberspace .

As we shared our outcomes with each other, we made notes about the ideas and words that struck us as being compelling, paying particular attention to ideas that could become the “ hook ” of the song. Then we attacked the verses, choosing to base each verse around different characters that shared the same basic experience of being strong women who aren't always recognized for their strength and may not see it in themselves.

With the idea in mind that some women go above and beyond the workload of the average woman, we constructed the song in such a way that, when read together, each of the verses could represent a different point in the same person's day (representing their overwhelming workload) OR be viewed as a snapshot of three different peoples' experiences throughout any given day. The chorus takes a step out of the individual character's situation and is a third party recognition of their efforts and qualities of strength.

I was surprised at how quickly the first draft came together. After 4 hours and two delicious banana muffins (baked by Heather) we had the whole thing typed on the computer and ready for melody experiments. Using a computer for writing lyrics was also a new experience for me, as I always veer for pencil and paper. It was fast though, being able to copy and paste, and seeing the full structure laid out on the whole page made it easy to see where the structure was going. I may attempt this approach again on my own when I try out the MasterWriter software.

See you next week,

Meghan Morrison

www.meghanmorrison.com
@MegsMorrison

Tweet hashtag # aiimm å dele dine egne Adventures In Independent Music Making

Image “ Two heads are better than one ” courtesy of Darron felon . License CC-BY-SA 2.0

This weekend was exactly what I needed to refresh my songwriting mind. Trying out some of the suggestions offered to me in the comment section of last week's blog, “ Gigging During a Songwriting Phase “, we (the band) decided to test drive a couple of our new songs (one of which hadn't been finished, let alone performed, yet) during the Wonder Women showcase (organized by one of our loveliest webcast guests, Arlene Paculan ). It was a smash success. The audience responded to the new songs with great enthusiasm and it was the exact boost I needed to get my mind out of the “I'm tired of playing my old songs” funk.

Now, with that weight lifted, it is time to shift into writing high gear and who better to look to for output advice than the man who has written, recorded, and released 48 full length albums in just as many months?

50 Albums in 50 Months

Sean T Wright is a fellow Music Success in 9 Weeks Blog Challenger who I became acquainted with last fall. At the time, he was well on his way to achieving a very lofty goal: 50 albums in 50 months . Now at 48/50 albums, he has established himself as perhaps one of the most dedicated and determined musicians in the world-wide independent scene. The man is king of output. Not only has he released over 1000 songs since 1979 (which you can download for free from his website ), but he has also published 12 novels and created 1000 pieces of fine art.

As someone who is having difficulty managing their time to produce even one album since January, I was compelled to pick the brain of this prolific British artist… and he was kind enough to let me!

A Conversation on Writing with Sean T Wright

What inspired you to write 50 albums in 50 months?

Now that's a good question, and one that doesn't have a simple answer. I started out wondering if I could write 12 albums in 12 months. That first 12 months was the toughest, in the sense of getting into a creative routine, learning to write from the heart. Once I'd completed 12 albums, I then thought: is 24 albums possible in 24 months? I want to find out! I'd like to think that I'm an explorer, stepping out into unchartered songwriting territory.

How did you approach the structure for each album?

I'm not sure why, but I choose 12 tracks per album. It kinda felt right. I guess if I'd chosen 10 tracks per album, then I'd now have 57 albums instead of 48 albums! I try to write albums, not just a collection of random songs. While the song topic may vary a lot on each album, I try to use a limited selection of instruments per album, so that they gel with other tracks on the album. For example, one album might be electro in flavour, whilst the next pop, or rock, or acoustic.

How did you work through daily life distractions in order to put out each album month after month over such a long term?

I've always been focused and obsessed with my music. I set aside time most days to write and record – 2 to 3 hours a day. I work very fast in the studio, almost manically, like a painter at his blank canvas, splashing on textures and colours of sound.

How did you deal with writer's block?

Seriously, I don't get it! If I pick up a guitar and strum out a few chords, the rest follows – words, melody, and structure. I have always had a LOT to say, about all kinds of things. I write predominantly about my life, how I feel, at any given moment. So if I feel angry, then out comes the angry song. If I'm at peace with myself, then that song pops out, too. What I don't do is analyse what I write, or try to mould it to a genre or style.

Do you do any creative writing exercises? If so, what are they?

I don't have exercises as such, but I do have routines. One routine is FAWM – the February Album Writing Month – where songwriters try to write 14 songs during the month. Then there's 50/90 – a twin of FAWM where songwriters are challenged to write 50 songs in 90 days from July to October every year. These two online communities are brilliant places to meet fellow songwriters, collabs, and general support.

Personally, though, I write songs in three ways.

Method One : Depending on my mood, I grab my acoustic guitar and hammer out the words and melody, structure and so on. Then I record it while it is very fresh. It may become a fully arranged song, or just a simple vocal acoustic number.

Method two works like this: I grab my guitar, tap out a click track on my digital recorder, then record a bunch of chords straight through, all on instinct – for example, chorus, verse 1, bridge, chorus, verse 2, bridge, chorus x2, mid 8, chorus x2 etc. After that, the rest of the song takes shape, as I add layers of instruments, drums, synths, guitars etc.

Method three : I create beats, whole song structures in EZ Drummer, then record these to tape. From those beats I write songs around them, adding other instruments, and finally vocals, with no idea of melody or lyrics until the basic backing track is done. So I typically have drums, bass guitar, two electric or acoustic guitar parts done before I lay down vocal parts. Other instruments may follow, depending on how the track is working. I try not to overload the song with a multitude of parts. I believe in the old adage that less is more. It's what you leave out that makes a song.

How did you keep up with the demands of MSI9W and your own writing challenge?

I just did it! lol! Seriously, I applied the same focus to the Music Success In Nine Weeks challenge. Focus and obsession!

Please describe your recording, mixing, and mastering process.

I'm very old school. I like to start out with a flat board, then shape each sound from there. So drums and bass have to be sonically happening before I move on to the guitars, synths and anything else. I always mix the vocals last, so that they sit in the track as I want them. I like doing different things with vocal mixes – hate reverb! But love chorus in small amounts, which glue vocals together.

I was weened on analogue reel to reel tape machines many years ago, so my ears seek warmth and depth, which recording equipment like Teac and Studer provide. I use the Studer A800 plug-in for recording, mixing, and mastering. There is nothing out there in the digital world to compare, if you want old school warmth and fusion of sound.

On my early CDs (albums 1 to 18), acoustic guitar was recorded in stereo or multi-tracked up to 4 times, usually with mics in XY configuration, panned 50-50%, or often one guitar laid over the other in the mix. A lot of listeners have mistaken the two six string guitar tracks for a twelve string. I crank the middle up as far as it will go to get some punch. I love single tracked acoustic guitar, too, which you can hear on tracks like “I Keep Wondering”, “Lakota Holy Man”, or “Looking Out For You.” ( which you can find alphabetically in his Song Tree )

Vocals are recorded in a variety of ways. Sometimes I get up within an inch of the mic, to get a breathy whispered tone. Othertimes, I'ma foot back when I blast it out! I don't use compression much, if at all. I often use a delay to give sparkle and life. The Boss Delay is rather versatile. I often doubletrack lead vocals as well. I prefer dry vocals and only use reverb now and again for effect on the odd word or line.

Electric guitars are straight into the COSM effects unit. My fav setting is the preset Jazz sound, which has a bit of bite distortion-wise, but remains relatively clean. One thing I try to do is to keep a similar guitar sound per album, to unify things I guess.

My mixdowns are one way or the other per album. Either I use the Boss BR1200 , or the Ableton Live on my computer. With the exception of the album “Underground” which was mixed in Protools, most of my mixdowns have been done on the Boss BR1200 . But from album 28 “ Parkour ” I used Ableton more and more for mixing.

Because I work so fast with the album-a-month project, I need software and equipment I can trust and use swiftly. The Boss BR-1200 , and Ableton Live do the trick for me! ( see below for a more detailed list of gear and progams Sean likes to use )

How did you approach the album art?

My album art comes from many different sources. Some is unique, commission artwork. Other album covers are my own personal photos or even artwork. Some is creative commons (royalty free) stuff, which I feel fits a certain type of album/theme. I was trained as a graphic designer in my teens, so I know a bit about layout and typography.

What impact has the overall experience had on you as a songwriter?

Writing, recording, and releasing so many albums in such rapid succession has been a very positive experience. It has taught me one major thing: there's no point waiting for inspiration. It's already there, waiting to be grabbed out from the dark into the light. Because I have written at least three fully recorded songs every week for the past 4 years, I think my songwriting is stronger now than ever. The response I've had from tens of thousands of people has made the biggest impact on me. There's been almost 1 million free downloads of my music via the internet, which means there are a lot of folk out there listening.

What advice do you have for me, an artist going through a writing phase right now.

Me? Giving advice? Well, I believe that literally anything goes. The creative process for each individual is a very personal thing. For me, I work from my heart, on the spur of the moment, in that moment. It's an honest approach. I don't try to force songs in a premeditated direction. I believe in the organic approach. I feel strongly that the songs are already there, hiding in the shadows of the unconscious, lurking like shy creatures, afraid to voice their shape and form. I'm like a song-catcher, rescuing them from a dark place and coaxing them out into the light, so that others can hear them.

________________________________________________________________________

Gear Sean Likes to Use

(1) AKG C-2000B mic - All vocals and guitars are recorded through it. I love this “for all weathers” mic. Love it! I like to crank up the vocal input so it peaks into distortion, giving a static/driven sound to vocals for a lot of my tracks (listen to “ Beneath The Waves ” on 69 Love Songs Vol 1 as an example). I call my studio Static Queen, an allusion to my songwriting friend – the genius Mark Linkous .

(2) Audio Technica Atus ATR30 cardioid mic – this is an ancient mic that I record acoustic guitars with on my analogue Yamaha 4 track. ( You'll have to get it second hand, as it is now discontinued )

(3) Tannoy Reveal R5A Monitors – Near-field monitors used for mixing down. I also use my pathetic Logitech computer speakers for infrequent mixing. But my real workhorse is the Technics RP – F400 headphones .

(4) I love my Boss BR-1200 digital recording studio , with it's super COSM guitar effects unit. But I also use a PC recording rig with Ableton Live 8 . I adore Live's effects and sound/instrument library – especially the strings sections. I play every instrument (unless credited otherwise), and love tracking. I have Protools with a whole host of software that includes Melodyne, but I use it very infrequently (listen to my album “ Underground ” as an example).

(5) I use Arturia's Analog factory programme (wonderful Yamaha CS-80 sounds), controlled by my equally wonderful Axiom 25 , which controls all of my computer-based software. Since album 28 “ Parkour ” I have used Toontrack's superb EZDrummer for the majority of my drums. Jeg elsker det! So authentic! Before EZDrummer I used a host of drum loops imported into the Boss or Boss' EZ Compose programmable rhythm.

(5) I tend to record my acoustic guitars on an old Yamaha MT100 analogue 4 track recorder , which gives a warmth and richness, then transfer to digital. Good examples are to be found on my album HELLO , where warmth, tape hiss, and natural distortion abound!

__________________________________________________________________________

Big thanks to Sean for sharing his ideas and insight into the creative process. I am officially setting aside 2 hours today just for writing, no interruptions allowed!

Meghan Morrison

www.meghanmorrison.com
@MegsMorrison

Tweet hashtag # aiimm å dele dine egne Adventures In Independent Music Making