Από την αρχή - Περιπέτειες σε Ανεξάρτητη Μουσική Δημιουργία

Έχουμε ακόμη και το δικό μας προφίλ καλλιτέχνης στην ιστοσελίδα :) του Φεστιβάλ

Θα σας ενημερώσουμε ASAP ακριβώς τι νύχτα / χώρο κλπ.

:)

Είχα προσκληθεί να συμμετάσχουν σε μια κλήση συνδιάσκεψης απόψε με την Στιχουργών Συλλόγου του Καναδά και ο Αριέλ Hyatt για να συζητήσουν την εμπειρία μου στην επιτυχία μουσικής στο Blog Πρόκληση Εννέα εβδομάδες , καθώς ένα νέο κύμα των αμφισβητιών εγκαθίστανται τα blogs τους και να πάρουν τα εργαλεία πρόκειται.

Θα μπορούσα να αισθανθώ την αντίθεση του ενθουσιασμού και της αβεβαιότητας σχετικά με τη γραμμή ... αυτό είναι που εμπνέει. Έτσι πολλοί άνθρωποι, που αγαπούν και στιχουργικές εκτέλεση τόσο πολύ ώστε να στρέφονται σε ξένες (ή όχι και τόσο ξένο) έδαφος για να αναλάβει τον έλεγχο της online παρουσία τους. Έτσι, πολλές ερωτήσεις.

Ένα από τα καλύτερα κομμάτια του Αριέλ συμβουλές:. "Δεν νομίζω, απλά δεν" Ρον Hynes μου έδωσε τις ίδιες συμβουλές για στιχουργικές αυτό το καλοκαίρι κατά τη διάρκεια της SongStudio .

Είναι τόσο αληθινό. Θα πρέπει να ακολουθήσετε τη διαίσθηση που έχεις σε αυτό το πρώτο μέρος.

Ώρα να ξαναγράψει το ασανσέρ μου γήπεδο :)

Meghan

Πέρυσι συμμετείχαν σε συνεδρίαση για την εκμάθηση κατά τη διάρκεια της καναδική εβδομάδα μουσικής συνέδριο στο Τορόντο, Καναδά . Η αίθουσα ήταν γεμάτη, γεμάτη με πολλούς ανεξάρτητους καλλιτέχνες οι οποίοι ήταν πρόθυμοι να μάθουν μερικές συμβουλές και κόλπα για mastering τη δική τους μουσική (ως αυτο-εγγραφή γίνεται όλο και πιο πιθανή και προσιτή με τις σύγχρονες εξελίξεις στην τεχνολογία).

Η παρουσίαση ήταν λιγότερο από ικανοποιητική και θα ήταν (μαζί με πολλά άλλα μέλη του κοινού), απογοητευμένοι, αλλά τώρα ξέρω ότι δεν ήταν υπαιτιότητα του πίνακα. Είχαμε πάει όλοι εκεί περιμένοντας να δέχονται συμβουλές, αλλά από όσα έχω μάθει από τότε, mastering είναι μια τέχνη και μια πολύ μεμονωμένη διαδικασία, έτσι ώστε πολλοί μηχανικοί mastering είναι απρόθυμοι να δώσουν συμβουλές σε ένα δωμάτιο με ανθρώπους με διαφορετικές αυτιά και τα διάφορα σχέδια με διαφορετικούς σκοπούς. Η παρουσίαση ήταν πραγματικά για συζήτηση τη σημασία και την αξία του mastering, αυτό δεν ήταν "πώς να" συνόδου, όπως και πολλοί από εμάς ελπίζαμε.

Περίπου την ίδια εποχή, γνώρισα Καρλ Machat της Βουλής Mastering Mister του που θα γινόταν αργότερα ο μηχανικός mastering για το 2011 την απελευθέρωσή μου, [κορυδαλλός] Είμαστε όλοι γεννημένοι γυμνός . Αν και είμαι πρόθυμος να μάθει για mastering για απλή καταγραφή στο σπίτι που μπορώ να στείλει ως freebies στο ενημερωτικό δελτίο μου, δεν συμβουλές και κόλπα μπορεί να αντικαταστήσει τα καρυκεύματα αυτιά ενός επαγγελματικού ότι ένα άλμπουμ ανάγκες, έτσι επέλεξα Καρλ.

Με τη σειρά του, ο Καρλ είχε την καλοσύνη να απαντήσετε σε μερικές ερωτήσεις σχετικά με τα βήματα που έχω (και άλλους ανεξάρτητους καλλιτέχνες) μπορούν να ακολουθήσουν για να συμβάλει στη βελτίωση της ποιότητας της αυτο-mastered ηχογραφήσεις στο σπίτι μας και πώς να προετοιμαστούν καλύτερα κομμάτια μας για την αποστολή τους σε ένα mastering μηχανικός, αν επιλέξετε να πάτε αυτή την οδό.

Ερωτήσεις Mastering από Meghan Morrison:

• Όλοι γνωρίζουμε ότι Mastering βελτιώνει την ποιότητα ενός κομματιού καταγράφονται / άλμπουμ, αλλά τι ακριβώς είναι "mastering";

Τεχνικά θα πρέπει να αποκαλούμε «προ-mastering" γιατί mastering είναι τι γίνεται στο εργοστάσιο του CD, όταν γίνονται οι δάσκαλοι γυαλί. Αλλά είναι κατανοητό, έτσι ώστε ο καθένας ζητά απλά mastering! Ακριβώς για να πάρει ότι λίγο έξω από το δρόμο!

Η γνώση έχει μια συλλογή από τραγούδια (π.χ. για ένα άλμπουμ) και τους κάνει να ακούγεται σαν πραγματικά ανήκουν μαζί με κάθε άλλο - να διασφαλίσουμε τα επίπεδα, ο τόνος, και τη δυναμική ακόμη και συνεπής από τραγούδι σε τραγούδι, ενώ έχοντας κατά νου το ύφος του κομμάτια. Η γνώση είναι για μια ισορροπία μεταξύ της συνεκτικότητας και της ατομικότητας.

Mastering (όταν προσλάβουν κάποιον να το κάνει) είναι μια ευκαιρία για να πάρει ένα ηχητικό κριτική του συνδυασμού σας, πριν να εξαπολύσει στον κόσμο, από μια νέα ομάδα από τα αυτιά. Είναι σχεδόν αδύνατο να έχει μια σαφή ιδέα για το πώς θα ακούγεται μετά από εβδομάδες και μήνες εργασίας, εκτός και αν δεν ακούσει, ας πούμε, 6 μήνες έως ένα έτος!

Μια άλλη εκτίμηση για mastering είναι να σιγουρευτείτε ότι το είδος είναι ανταγωνιστική με παρόμοια μουσική στην αγορά. Αυτό είναι περισσότερο από μια ανησυχία, όταν mastering απλά ένα και μόνο τραγούδι.

Δεν υπάρχει ένας σωστός τρόπος για να δαμάσει ένα κομμάτι: μερικές φορές είναι τόσο δημιουργικές όσο και τεχνικές.

Mastering τεχνικές περιλαμβάνουν την εξίσωση, συμπίεσης και περιορισμού - πολύ όπως την ανάμειξη, αλλά γενικά πιο λεπτές στην περιοχή τους. Μερικές φορές οι διαδικασίες που χρησιμοποιούνται για την ενίσχυση, όπως σωλήνες και τον κορεσμό ταινία. Άλλα πράγματα που περιλαμβάνουν τη βελτίωση της στερεοφωνικής εικόνας, όπως μέσα από την πλευρά των τεχνικών - μια ειδικότητα μου. Αφαίρεση της περίεργο κλικ, βουητό, βόμβο ή σφύριγμα είναι επίσης συχνά απαραίτητη. Επεξεργασία εμπλέκεται επίσης: κλάδεμα τα κεφάλια και τις ουρές ενός αρχείου τραγουδιού, και δημιουργώντας τις κατάλληλες fade-out και fade-in.

Ο στόχος είναι να διατηρήσει τα καλύτερα στοιχεία από ένα μείγμα. Mastering μηχανικοί κάνουν μόνο ό, τι πρέπει να γίνει. Αυτό είναι ένα σημαντικό σημείο που θυμάται και να κατανοήσει: Το καλύτερο μίγμα, τόσο λιγότερο «εκμάθηση» θα υπάρξουν στο τελικό αποτέλεσμα.

Ωστόσο, υπάρχουν φορές όταν ένα μείγμα Εντάξει μπορεί να ανακτηθεί στο στάδιο mastering - αλλά μην στοιχηματίσετε σε αυτό!

Θέλω να επισημάνω τι mastering είναι όχι! Δεν πρέπει να εξεταστούν για να καθορίσουν ή να διασώσει τίποτα. Δεν μπορούν να καθορίσουν ένα κακό μίγμα, ή σε κακή τεχνική καταγραφής. Δεν μπορεί να αλλάξει τα επιμέρους επίπεδα της όργανα ή φωνές, αν και μερικές φορές - και μόνο μερικές φορές -, μπορείτε να δημιουργήσετε εντύπωση ότι με προσεκτική EQ, και, ίσως συμπίεση πολυσυχνοτικής.

Αν τυχαίνει να έχω ένα μείγμα που το «οριακά» θα το συζητήσει με τον καλλιτέχνη η πρώτη μου. Θα προσπαθήσω να τους σώσει από το χρόνο / κόστος του ανακατεύει ξανά όποτε είναι δυνατόν, όπως είμαι πρόθυμος να κάνω μια λίγο πιο πέρα ​​από αυτό που θεωρείται συνήθης πρακτική εκμάθηση εάν είναι απαραίτητο για να σώσει ένα κομμάτι.

Όταν φτάσετε παρακολουθεί κατακτηθεί ο καλλιτέχνης δεν έχει τον τελικό λόγο στα αποτελέσματα BTW!

• Για τους καλλιτέχνες που θέλουν να αυτο-ρεκόρ, τι συμβουλές μπορεί να σας δώσει τους να χρησιμοποιούν κατά τη διάρκεια της ανάμειξης, έτσι ώστε όταν το στείλει σε εσάς να κατακτηθεί η δουλειά σας θα είναι πιο αποτελεσματικές ή πιο εύκολο;

Γενικά:

Χρησιμοποιήστε την καλύτερη δυνατή διασύνδεση ήχου.

Χρησιμοποιήστε την καλύτερη δυνατή ομιλητής παρακολουθεί και τη θέση τους σωστά. Η θέση ακρόασης και οι δύο οθόνες θα πρέπει να σχηματίζουν ένα ισόπλευρο τρίγωνο.

Να είστε εξοικειωμένοι με το περιβάλλον σας ακούει.

Μπορεί να είναι πολύ απογοητευτικό για τον μηχανικό mastering αν ο πελάτης καλλιτέχνης οντισιόν δείγματα σε ένα κατώτερο σύστημα αναπαραγωγής / περιβάλλοντος και επικρίνοντας αυτό που θα μπορούσε πραγματικά να είναι μια αδυναμία στη δική τους εγκατάσταση παρακολούθησης.

Επίσης: προθεσμίες σας είναι - τις προθεσμίες σας. Δώστε περίπου 2-3 ​​εβδομάδες για τον προγραμματισμό ενός πλήρους έργου mastering άλμπουμ. Να σέβεται το χρονοδιάγραμμα του μηχανικού του mastering. Διαφορετικά, θα είστε πιο πιθανό να δείξει την πόρτα εξόδου!

Καταγραφή:

Ακούστε προσεκτικά για παραμόρφωση. Αυτό (όπως αντήχηση) δεν μπορεί να αφαιρεθεί. Re-εγγραφής είναι η μόνη επιλογή για να διορθώσετε αυτό. Ακριβώς επειδή δεν είστε το χτύπημα 0 dB μέτρα DAW σας δεν σημαίνει ότι ίσως να μην έχετε υπερφορτώσει ένα εξάρτημα κάπου νωρίτερα στην αλυσίδα της εγγραφής σας: ένα προενισχυτή, για παράδειγμα? Ή ίσως υπάρχει ένα ελαττωματικό καλώδιο patch.

Χρήση υψηλής ποιότητας μορφές αρχείων:. Και WAV σε 24 bit ή μεγαλύτερο.. Χρησιμοποιήστε ένα ελάχιστο ποσοστό της δειγματοληψίας 44,1 kHz. Υψηλότερα ποσοστά δειγματοληψίας είναι μεγάλη, αλλά .. (!) .. Αν θα πάμε σε ένα CD ρυθμούς δειγματοληψίας μορφή χρήση σε πολλαπλάσια των 44.1k. Έτσι, 44,1 kHz? 88,2 kHz? Ή 176,4 kHz, κλπ. Αν γνωρίζετε μόνο εσείς ποτέ τη μετάβαση σε ένα μέσο το βίντεο στη συνέχεια να χρησιμοποιήσουν τα 48 kHz, 96 kHz, κλπ.

Ποτέ, ποτέ, χρησιμοποιήστε mp3 ή οποιαδήποτε άλλη μορφή μείωσης των δεδομένων ως μέσο παράδοσης: δεν πρόκειται ποτέ να ανακτήσει ό, τι παίρνουν μακριά και να ακούγεται απαίσια ούτως ή άλλως!

Πάρτε όσο ο ήχος δικαίωμα σε αυτό το στάδιο όσο το δυνατόν περισσότερο, αντί να συσσωρεύονται επιπτώσεις στο στάδιο μίγμα.

Ανάμιξη:

Do - όλα - μπορείτε να κάνετε μίγμα σας τον τρόπο που θέλετε να ακούγεται. Μην αποφασίσετε αργότερα ότι οι κιθάρες ή φωνητικά δεν ήταν αρκετά δυνατά και να αφήσει στο στάδιο mastering να προσπαθήσουμε να το διορθώσουμε. Μην αφήνετε τα πράγματα όπως ότι για το mastering μηχανικός για τη φροντίδα του. Προσθέτει με το χρόνο και, πραγματικά, το τελικό αρχείο μίξη 2 κομμάτι δεν είναι το καλύτερο μέρος για να επιδιορθώσει τα πράγματα όπως ότι, ακόμη και αν ήταν δυνατόν.

Επίσης μην προσπαθήσετε να κάνετε οποιοδήποτε μέρος του επαγγέλματος του μηχανικού mastering για οποιοδήποτε λόγο. Κάποτε είχα ένα πελάτη στείλετε μείγματα που έχουν όλα φτάσει στο όριο επίπεδο σοφός. Ήθελαν απλώς να βεβαιωθείτε ότι ο σεισμός ήταν συνεπής από κομμάτι σε κομμάτι. Δεν πειράζει το γεγονός ότι, αν είστε EQ'ing αφού έχετε φτάσει στο όριο τα επίπεδα, θα πρέπει ακόμα να περιορίσει και πάλι για να βεβαιωθείτε ότι δεν πρόκειται σε 0 dB, το πρόσθετο πρόβλημα εδώ ήταν ο καλλιτέχνης κατέληξε δημιουργεί στρέβλωση στην κάθε τραγούδι, επειδή δεν μπορούσε να ακούσει για το σύστημα παρακολούθησης του!

Άλλες συμβουλές:

Χρησιμοποιήστε ένα υψιπερατό φίλτρο σε κάθε κομμάτι.

• Μήπως σημαίνει κάθε μεμονωμένη κιθάρα, μπάσο, φωνητικά, κλπ. κομμάτι; ή το ποτενσιόμετρο πλοίαρχο του σκάφους κατά την αναπήδηση σε κάθε τραγούδι;

Εννοώ για κάθε κομμάτι / όργανο στη μείξη σας - κιθάρες, μπάσο, φωνητικά, ντραμς, κ.λπ. Αυτό αφαιρεί τη συσσώρευση και τη συσσώρευση του χαμηλού επιπέδου ηχητικό λάσπη που τρώει πολύτιμο επίπεδα έντασης του ήχου στο τελικό στάδιο. Η τεχνική αυτή είναι να ξεκινήσει στα 20 Hz και αργά κινούνται προς τα πάνω μέχρι να ακούσετε μια απώλεια των χαμηλών συχνοτήτων. Σταματήστε σε εκείνο το σημείο και κάτω σιγά-σιγά μέχρι να ανακτήσει την εν λόγω συχνότητα - αυτή είναι η ρύθμιση για το συγκεκριμένο όργανο.

Χρησιμοποιήστε χαμηλής διέλευσης φίλτρα, σε κάθε κομμάτι. Αυτό βοηθά με τη μείωση της συσσώρευσης των επιπέδων θορύβου από κάθε κομμάτι, αλλά και με οποιαδήποτε ψηφιακή "από άκρη iness». Η τεχνική είναι η ίδια όπως παραπάνω, εκτός από την αντίστροφη: ξεκινούν από 20.000 Hz (20 kHz) και σιγά-σιγά μετακινηθούν χαμηλότερα στη συχνότητα μέχρι να ακούσετε την απώλεια της υψηλής τέλος. Σταματήστε εκεί και να κινηθεί μέχρι να ανακτήσει τις εν λόγω απώλειες.

• Και πόσα από αυτά τα υψηλής και χαμηλής διέλευσης φίλτρα, πρέπει να έχουμε τη χρήση;

Χρησιμοποιήστε ένα για κάθε κομμάτι / μέσο μίγμα σας.

• Οι προτεινόμενες ρυθμίσεις;

Και στις δύο περιπτώσεις θα πρέπει να χρησιμοποιήσετε τα αυτιά σας για να βεβαιωθείτε ότι δεν είστε άρση κάθε μουσικό περιεχόμενο που θέλετε να κρατήσετε. Οι ρυθμίσεις καθορίζονται από το εύρος συχνοτήτων κάθε μέσο σε κάθε κομμάτι.

Σίγαση όλα και τις περιοχές που δεν είναι απαραίτητες για το μίγμα. Αυτό βοηθά στην ελαχιστοποίηση των προβλημάτων θόρυβο σαν βουητό κλικ, ή σφύριγμα.

Πάντα να ελέγχετε ότι μίγμα σας κλωτσά στο κώλο μονο! :)

Εάν προσπαθείτε να μιμηθεί ορισμένες πτυχές της εμπορικής τραγούδι, χαμηλώστε την ένταση εκείνου του τραγουδιού για να συγκρίνετε με το συνδυασμό σας καλύτερα. Εμπορική πίστες είναι σε πολύ θερμότερος από ό, τι επίπεδο τελικό μίγμα σας.

Αποφύγετε να πάτε στη θάλασσα με συνέπειες: το λιγότερο είναι καλύτερο. Χρησιμοποιήστε ακριβώς αυτό που χρειάζεστε.

Κάντε συχνά διαλείμματα. Πάντα ακούστε με φρέσκα αυτιά. Αποφύγετε να κάνει τα πάντα σε μια συνεδρίαση ή όλη τη νύχτα.

Και πάλι: δεν κάνει το τελικό μείγμα δυνατά. Δώστε πολλά περιθώρια για να συνεργαστεί με: -3 έως -6 dB είναι μια χαρά.

Αποφύγετε οποιαδήποτε ανεπιθύμητη / ένθετα για τα κύρια φίλημα εκτός ίσως από ένα καλό μέτρο RMS.

• Τι είναι ένας μετρητής RMS; και μπορεί να σας συστήσει μια συγκεκριμένη μάρκα / προϊόν;

Ένας μετρητής RMS μετρά τα μέσα επίπεδα. Αναγνώσεις τους ανταποκρίνονται καλύτερα στον τρόπο το ανθρώπινο αυτί ακούει. Στόχος για το επίπεδο RMS -20 έως -14 dB και ότι πρέπει επίσης να λαμβάνουν τη φροντίδα του τα μέγιστα επίπεδα σας να μην αγγίζουν τα 0 dB.

BrainworX, μπλε γάτα ήχου, ήχου και Pluggers είναι μόνο μερικές από τις εταιρείες που πραγματοποιούν λογισμικού μέτρησης. Τους έχω κατατάσσονται ανάλογα με την προτίμησή μου:

http://www.brainworx-music.de/en/plugins/bx_meter

http://www.bluecataudio.com/Products/Product_DPeakMeterPro/~~V

http://www.audiopluggers.com/kmeter/

Οι άνθρωποι πίσω από αυτό το δυναμικό φάσμα μέτρων στον παρακάτω σύνδεσμο αποτελούν μέρος ενός κινήματος που προσπαθεί να ανακτήσει τη δυναμική και πάλι ζωή στη μουσική, ζητώντας από τους επαγγελματίες να μην ζητήσει τέτοια δυνατά πλοιάρχους. Θα χρησιμοποιηθεί για να είναι ελεύθερη, αλλά τώρα ζητάμε για μια δωρεά. Όταν ήμουν στην περιοχή πρόσφατα, όμως, φάνηκε να υπάρχει σε κατάλληλο ή μη-σχετικές παρατηρήσεις (spam;) άφησε «un-παρακολούθησαν» στα σχόλια, έτσι ώστε αυτή τη στιγμή, ενώ είμαι όλοι για τα χαμηλότερα επίπεδα και πιο δυναμική περιοχή, πηγαίνετε σε αυτό το site με δική σας ευθύνη:

http://dynamicrange.de/en/tt-dynamic-range-meter-plugin-all-platforms-available

Υπάρχει ένα δωρεάν διαθέσιμο μέτρο, αλλά έχει ένα vintage look έτσι δεν ξέρω πόσο χρήσιμο θα είναι για μερικούς ανθρώπους. Όταν το χρησιμοποιείτε, βεβαιωθείτε ότι έχετε ρυθμίσει με τη ρύθμιση της VU.

http://www.pspaudioware.com/plugins/tools_and_meters/psp_vintagemeter/

Και για άλλη μια φορά: να αποφευχθεί το χτύπημα 0 dB στο τελικό μίγμα με κάθε κόστος! Αυτή είναι η παγίδα!

Γιατί; Οι ψαλιδίζεται 0 βαθμοί dB μπορεί και θα ενισχυθούν κατά τη διάρκεια mastering και το αποτέλεσμα θα είναι πιο στρέβλωση τελικά αποτελέσματα σας.

Δημιουργικά, να τηρούν τα βασικά στοιχεία ενός μίγματος - λάκτισμα, μπάσο, παγίδα, φωνή - επικεντρώνεται σε ένα μείγμα. Ρυθμός μέσων θα πρέπει γενικά να επικεντρώνεται αλλά τώρα θα πρέπει να είστε προσεκτικοί να μην αγωνιστεί με τη φωνή. (Θυμηθείτε για κλοτσιές κώλο σε μονο!)

Πάνα προσεκτικά - θέλετε η αριστερά προς τα δεξιά ισορροπία να είναι ίση. Χρησιμοποιήστε μια μικρή καθυστέρηση (μικρότερη από 25 ms) για να στείλει σκληρό φιλτραρίστηκε κομμάτια του απέναντι καναλιού (σε χαμηλότερο φιλτράρεται, επίπεδο) για να βοηθήσει την ισορροπία και το στερεοφωνικό μίγμα εικόνα καλύτερα.

Επίσης, αν γνωρίζετε τη σειρά που θέλετε τραγούδια σας, αφήστε το mastering μηχανικός γνωρίζει από την αρχή. Ένα τέχνασμα είναι να βάλετε τον αριθμό του κομματιού πριν από τον τίτλο του τραγουδιού, όπως αυτό: Ένα Τραγούδι 01? 02 Δύο Τραγούδι: κλπ. Ας τον / την γνωρίζουν τον τίτλο του άλμπουμ, το όνομα του καλλιτέχνη, και τους τελικούς τίτλους για τα τραγούδια.

Δώστε ISRC σας και η UPC / EAN κωδικούς για τον μηχανικό. Για ISRC κωδικούς μπορείτε να εφαρμόσετε εδώ (για τον Καναδά):

http://www.avla.ca/isrc/isrc-application-form.aspx

Αφήστε λίγο σιωπή στην αρχή και το τέλος του τελικού μίγματος αρχεία σας. Ο μηχανικός mastering μπορεί να φροντίσει το κόψιμο και το ξεθώριασμα. Εάν έχετε μια ειδική ξεθωριάζουν, δώστε του / της το σημείο εκκίνησης και τερματισμού των εξασθενίζει.

Επικοινωνήστε με τον μηχανικό σας! Προσφέρετε τις σκέψεις σας, και να είναι διαθέσιμα όταν χρειάζεται για να απαντήσει σε ερωτήσεις!

Δίνοντας το mastering μηχανικός λιγότερο να «καθορίσει», δίνετε την / τον περισσότερο χρόνο για να πάρει «δημιουργική» και πράγματι επικεντρώνονται στην εκμάθηση.

• Οι περισσότεροι καλλιτέχνες δεν έχουν το χρόνο ή την επιθυμία να καταγράψει / επεξεργαστείτε / πλοίαρχο, αλλά και για όσους ενδιαφέρονται, όπου μπορούν να μάθουν πώς να κυριαρχήσει; Έχετε διδάξει τους ανθρώπους;

Δεν διδάσκω, αλλά υπάρχει αυτή η σύνδεση του προγράμματος:

https://www.berkleemusic.com/welcome/izotope

• Έχετε κάποια απλά κόλπα mastering ότι οι καλλιτέχνες μπορούν να χρησιμοποιήσουν για να βελτιώσουν την ποιότητα των ηχογραφήσεων σπίτι που μπορούν να απευθύνουν στους οπαδούς σε ενημερωτικά δελτία ή δωρεάν downloads, αλλά ποτέ δεν θα είναι ριγμένες στις ετικέτες, ραδιόφωνο, ή φιλμ (το οποίο θα πρέπει να έχετε επαγγελματικό mastering για) .

Εκτός από τις συμβουλές ανάμειξη:

Πάω να υποθέσουμε ότι θέλετε να ξέρετε για την πτυχή της έντασης του ήχου. Διαφορετικά, αν ξέρετε κάνετε τη δική σας αλλά mastering, κάνουν το ήχο ακριβώς όπως θέλετε να ακούγεται, αλλά χωρίς να ανησυχείτε για ηχηρότητα, πρώτα, και να καταστήσει σε ένα αρχείο δύο στερεοφωνικά κομμάτι.

Στη συνέχεια, μπορείτε να χρησιμοποιήσετε κάποια από αυτές τις πρόσθετες ιδέες.

Και πάντα να χρησιμοποιείτε τα αυτιά σας ως τελικός κριτής.

Παράλληλα συμπίεσης: διατηρεί τα καλύτερα δυνατά σημεία του σώματος και προσθέτει πληρότητα και σε ένα μίγμα όταν χρησιμοποιείται σωστά.

• Πώς μπορεί κάποιος να εφαρμόσει "παράλληλη συμπίεση" ... είναι μια επιλογή σε ένα πρότυπο "συμπίεσης" ένθετο; Πού μπορώ να βρω αυτό για να το χρησιμοποιήσει;
  

Πάρτε τελικό 2-Track, μίξη σας και να δημιουργήσετε ένα αντίγραφο του και παρατάξει το αντίγραφο σε DAW σας απευθείας σε συγχρονισμό με, και κάτω από το αρχικό. Στο αντίγραφο θα πάμε ράπισμα ένα τεράστιο ποσό της συμπίεσης: χρησιμοποιήστε μια αναλογία 2:1 ή 2.5:1 από το όριο του -50 dB, με τον ταχύτερο δυνατό χρόνο επίθεσης. Απελευθέρωση χρόνου θα πρέπει να είναι από 200 ms, με όσο το 500 ms, ή και περισσότερο. Ανακατέψτε το με το αρχικό un-επεξεργασμένο αρχείο σας - η στάθμη εξόδου από το συμπιεσμένο αρχείο είναι το δημιουργικό κομμάτι. Να είστε πολύ προσεκτικοί ώστε πρωτότυπο και συμπιεσμένα αρχεία σας είναι σε τέλεια ευθυγράμμιση ή θα έχετε σοβαρά προβλήματα με ακυρώσεις φάση.

Θα πρέπει να εφαρμόζουν περιοριστικά αργότερα απλά για να βεβαιωθείτε ότι δεν έχετε πάρει τυχόν ψηφιακά πιστώσεων (που πηγαίνει πέρα ​​από 0 dB).

Οι περισσότεροι αξιοπρεπώς σχεδιαστεί και οι περιοριστές στις περισσότερες μεγάλες DAW μπορεί να χειριστεί 2 - 3 dB περιορισμού αρκετά διαφανή. Μια καλύτερη επιλογή για περιοριστές mastering είναι Xenon PSP ή Ελέφαντας Voxengo του. Ακρίβεια UAD του περιοριστή είναι εξαιρετική, αλλά χρειάζεται μια εγκατεστημένη κάρτα. Η νέα όζον 5 Maximizer είναι καταπληκτικό, αλλά σαν τον ελέφαντα, που δεν προσφέρουν σχεδόν απίστευτη ποσότητα των επιλογών τώρα.

(Τ-Racks 3 έχουν πράγματι μερικά αξιοπρεπή προκαθορισμένες ρυθμίσεις που δεν πιπιλίζουν και χρειάζονται ελάχιστη ή μερικές φορές δεν μικροαλλαγές).

Περιορίστε την μέγιστη απόδοση αιχμής σε -0,3 dB για. Wav αρχεία and.aiff. Για αρχεία mp3 και τα ισοδύναμά τους, περιορίζουν την μέγιστη απόδοση σε -2,0 dB. Αυτό συμβαίνει γιατί, όταν καθιστούν την χαμηλή ποιότητα μορφές, όπως ότι, δεν «υπακούει» τις ρυθμίσεις του περιοριστή και συχνά υπερβαίνουν το όριο. Η ρύθμιση -2,0 db είναι ένα δίχτυ ασφαλείας για να βεβαιωθείτε ότι ποτέ δεν χτύπησε 0 dB.

Επίσης, για βαθυπερατού mp3 για να φιλτράρει τα 15 kHz.

Για RMS επίπεδα: μου αρέσει να έχω δασκάλους "αιώρηση" μου γύρω από -6 dB RMS για μέγιστη. Αυτό εξακολουθεί να αφήνει λίγο χώρο για τη δυναμική του, ενώ εξακολουθούν να είναι ανταγωνιστική. Φυσικά, αυτό δεν σημαίνει ότι έχουν μείνει "καρφώθηκε" σε αυτό το επίπεδο - αν ένα τραγούδι έχει πιο ήσυχο μέρη, αφήστε τους να είναι ήσυχο.

Πρόσμειξη (δεν περικόπτει) τελικά αρχεία σας, μετά τον περιορισμό σε 16 bits.

Για EQ δοκιμάσετε κάποια από αυτές τις ιδέες ::

Πρώτα όμως, γιατί έχετε κάνει στον εαυτό σας την ανάμειξη, αν διαπιστώσετε ότι είστε κοπής / αύξηση πάνω από 3 dB - STOP - επιστρέψτε και remix. Έχετε κάνει κάτι λάθος!

Κόψτε συχνότητες κάτω των 20 Hz, αν κάνετε ένα σε club mix. Διαφορετικά θα πρέπει συχνά να είναι ασφαλή για τη μείωση κάτω από 40 Hz αλλά ακούστε πρώτοι! Όπως σημείωσε η ίδια, δεν υπάρχουν κανόνες.

Ανθρώπινη ακοή είναι πιο ευαίσθητα στη ζώνη συχνοτήτων 3 έως 6 kHz σειρά, έτσι εάν έχετε ήδη κάνει, μια μικρή ώθηση της τάξης του 1 dB μπορεί να βοηθήσει με την αντίληψη ένταση και ίσως σαφήνεια, καθώς και

Μια εναλλακτική λύση θα ήταν να κόψει περίπου 1 dB στην περιοχή 200 - 500 Hz. Με ένα κομμάτι όπως αυτό μπορείτε επίσης να σκεφτείτε από το όπως η αύξηση του μπάσου και προσθέτοντας κάποια σαφήνεια την ίδια στιγμή.

Πριν παίρνει πάρα πολύ σύνθετο, μερικές επιπλέον ζεστασιά μπορεί να είχε (αν χρειάζεται) κόβοντας το μισό σε ένα dB σε περίπου 7-8 kHz? Και, τέλος, το μισό σε μία ώθηση dB περίπου 14-15 kHz για λίγο αέρα.

Είναι πολύ πιθανό ότι όλες αυτές οι προτάσεις θα μπορούσαν εντελώς δεξαμενή, επίσης, επειδή ακριβώς μπορεί να είναι ακατάλληλη για το μίγμα. Πρόκειται για ένα «αυτί» τέχνη!

Τελικά, κάποιος πρέπει να ακούσει τη μείξη εν λόγω προτάσεις πριν από τη λήψη ή συστάσεις!

Είναι σημαντικό να γίνει κατανοητό ότι είναι δύσκολο ή σχεδόν αδύνατο να γενικεύσουμε γιατί mastering δεν γίνεται με βάση μαθηματικό τύπο. Κάθε συνδυασμός είναι διαφορετική: αυτό που λειτουργεί μεγάλο για ένα μείγμα μπορεί να είναι κακή σε ένα άλλο. Γι 'αυτό πολλοί μηχανικοί mastering δεν θα δώσουν τις σκέψεις τους για το τι είναι καλύτερο να κάνετε, επειδή πολλοί άνθρωποι ξεχνούν ότι κάθε κατάσταση είναι μοναδική. Το μεγάλο μυστικό είναι ότι δεν υπάρχει μυστικό.

Τελικές λέξεις μου:

Η μαγεία ξεκινά με το τραγούδι. Αν αυτό είναι σωστό, ό, τι άλλο πέφτει στη θέση του!

Ακολουθήστε την έμπνευσή σας και είναι αλήθεια ότι μέχρι το τέλος!

• Ευχαριστώ για αυτό το κάνει ο Karl! Μπορείτε ροκ! :)

Πω πω, έχει πραγματικά ήταν 5 μήνες από τότε που δημοσιεύτηκε στο blog μου; Πώς συνέβη αυτό;

Πώς να πάω από το blogging θρησκευτικά μία φορά την εβδομάδα για ένα χρόνο και στη συνέχεια εξαφανίζονται εντελώς; ... Κάτι για να σκεφτούμε, μου πιστεύει .... ίσως θέμα για ένα νέο blog εισόδου :)

Κοιτάζοντας το τελευταίο μήνυμα, σκέφτηκα ότι θα ήταν σκόπιμο να γίνει αυτή μία από τις ΠΡΑΓΜΑΤΙΚΕΣ βίντεο που γυρίστηκε εκείνη την ημέρα με τη μαγεία της videographic Adrian Vieni (Ξύλο & καλώδια) και την ακουστική του awesomeness TrueAxe Κιθάρα .

Εδώ είναι "Το Κορίτσι Καιρός" ακουστικό ....

Στίχοι:

Χλοώδεις πράσινο και ολισθηρό, που ήξερε ότι τα φαντάσματα μεγαλώνουν σαν τα ζιζάνια;

THE WEATHER GIRL confides in rain, she finds her gift outside. She finds her way into the bright, white lightning strike

It sets a fire in August rain, explodes and blows the girl down. Electrified by the bright, white lightning stike. The bright, white lightning …

Wind sock says clear skies ahead and extra sensory side effects

Now in an atmospheric state, half asleep, half awake
Her body rises in the bright, white specter's light

www.meghanmorrison.com
@MegsMorrison

While we were waiting for our TrueAxe Guitar video shoot with Wood and Wires Productions last Thursday, the band broke out into their own rendition of my song, “ Reluctantly “. Ήταν πολύ αστείο να σταματήσει, έτσι ώστε ο Αδάμ άρπαξε φορητό υπολογιστή του, άρχισε την καταγραφή τους ερμηνεία του " Still ", και στη συνέχεια να ανεβάσει στο YouTube για εμάς. Δεν μπορώ να περιμένω να πάω σε περιοδεία μαζί με τα παιδιά. Είναι πρόκειται να είναι ηλίθιος :)

www.meghanmorrison.com
@MegsMorrison

Since starting my weekly web-based music showcase a year ago, I have been brainstorming different ways to help get the music of the featured artists (as well as my own) out to more people. One such idea was podcasting , which would enable fans to download musical highlights from the webcast after the live stream is finished and take it wherever they go on whatever device they please.

After hearing about the commitment and troubles Brad Gulka ( @BradMezmo on Twitter), my drummer, has excitedly taken on as a founding member of the Comma Error podcast team, I thought it would be wise to talk to a few more podcasting veterans while trying to figure out how to start my own portable audio show. As such, I contacted Eban Crawford (who has featured a few on my songs on his podcast, Reaching For Lucidity) and Michael from MikeyPod (a music and interview-based podcast) who I have enjoyed connecting with on Twitter over the last few months. Both were happy to answer a few questions I had about their podcasting experiences and, more specifically, starting a podcast from scratch (thank you Michael and Eban!). Here we go!…

1) What inspired you to start podcasting?

Eban (RFL) : “Back in 2004 I was living in England with my wife and was making my living selling my art online. Effie then got real sick and had to go through emergency surgery. After almost losing her and then the long recovery, I lost interest in painting. I just could not paint any longer. Being a creative person, I needed something to focus my energies on, so I turned to my music and then later discovered podcasting. I set up RfL first as an irreverent news program, which did not work out all that well, then in 2005 I turned to promoting indie music. In 2006 I was signed to Podshow (now Mevio ) and I went from there. Supporting the indie music scene became a passion of mine.”

Michael (MikeyPod): “In the summer of 2005, my friend Richard Bluestein (aka Madge Weinstein at yeastradio.com ) had just started his podcast and encouraged me to start one too as there were very few gay podcasters at the time. I had a pretty good community of friends on livejournal at the time so I thought it might be another good way to interact with people over the internet. I wasn't sure what I was going to talk about, but then I heard another podcaster talk for a good 20 minutes about how he sorted his laundry and realized I could be at least that interesting, so, I gave it a try.”

2) How did you do it? How did you set up a podcast?

Eban (RFL) : “At first, I just recorded into audacity using a cheap mic I had lying around. I started out hosting my show on my own server. As I turned the show into a music podcast, I started learning about recording and started to improve my production skills. I went from Audacity to PodProducer in 2005. PodProducer allowed me to cue the songs and bumpers live, like on radio.

I enjoyed producing this way but my sound was still off. I started using Sony Vegas and bought a Behringer Mixer and some better mics. My sound was getting better and around that time I got my contract with Mevio and started hosting my shows on the Mevio servers.

Over the years I improved my production and cycled through gear. Now I am still hosting at Mevio and my main gear has been paired down to Ableton Live , Sony Vegas , M-audio interfaces , and my Zoom H4n from which I run my Blue Ball Microphone . I also use Sony Vegas to produce my animation and video. I create my animation using products from Reallusion , which include Crazy talk, iClone, and Crazy Talk Animator Pro.

Michael (MikeyPod) : “I started out by just recording a sound-seeing tour of a fourth of July event on a little handheld voice recorder. If I remember correctly, I edited it with audacity and then posted it for free on archive.org . Then, I set up a free blog on blogspot to host the podcast. Pretty soon after that I paid for my own domain and hosting, which really isn't all that expensive.”

3) What resources would you recommend now?

Eban (RFL): “I always have, and always will, suggest hosting shows at Mevio . I have been with them since 2005 and have never had a problem. Anyone can sign up for an account. It is free and the hosting is rock solid. You can host there and use their pages as your show site, or put your shows on your personal site as well.

As for gear, I recommend keeping it simple. I do have a lot of nice gear, but I use that for my music. For my show it is a DAW , in this case Ableton live or Sony Vegas , and my H4n . I recommend everyone get an H4n if you are into recording. It runs about $300 dollars and is worth way more. Since it is also a multitrack recorder with full effects and production potential, you can technically produce a show with only that one piece of equipment. I have used it that way in remote situations before. The great thing about Sony Vegas is that it is not only a full featured DAW, but a full featured video production suite as well. Two birds with one stone, or in this case, price tag.

As for a site, I can't recommend WordPress enough. Going to WordPress.org is alright, but a self-hosted WordPress install is unbeatable.”

Michael (MikeyPod): “Cliff Ravenscraft at podcastanswerman.com is a podcasting powerhouse, extremely knowledgeable and a really great guy. I use powerpress from blubrry.com which makes it really easy to post podcasts on my WordPress blog. Though I don't host my podcasts there, myself, I know you can pay for hosting at blubrry.com as well.”

4) Where do you look for inspiration/subject matter?

Eban (RFL): “For the music show, Reaching for Lucidity Indie Music Blast , it is current events and great music. Still, I only put out a show these days when I feel like it. I let the inspiration find me now unlike the early days when I would work day in and out to get my shows done.

The RfL Animated Adventures series is just built around random thoughts that cross my mind. Seriously, I just take everyday things I see, hear, or come up with internally and then blow those thoughts out of proportion. I took a hiatus from producing for a while but the new season of the Animated Adventures is gearing up right now. If anyone reading this is interested in doing some voice acting, keep an eye out on my site as I will be putting out casting calls soon.”

Michael (MikeyPod): “In my more activist days, it was pretty easy to find inspiration. I was motivated by things that I thought were unfair in the world that I wanted people to know about. Death penalty, animal rights issues, the war in Iraq. Now that I focus mostly on music, I tend to find artists that I like and are accessible and follow the trail of musicians that surround them.

One of my favorite interviews was with Christopher Willits . I was trying to get an interview with Ryuichi Sakamoto but my contact at his label said it wouldn't work out, but what about this guy? The interview was fantastic and Christopher Willits has become quite an inspiration to my own work as well.”

5) How time intensive is it to publish a podcast?

Eban (RFL): “That is completely up to the podcaster. When I started, the recording was pretty short. I spent more time finding music and subjects for the show. As you go and you learn more production, it can get shorter or longer, depending on how deep you go.

Finding my segments, music, and making my loose outline script still takes a lot more time than producing. The actual recording of a typical audio show takes about an hour and my post production takes another hour or so. I have a lot of my production automated now, such as vocal track processing and such. Producing an animated episode is a good week or more of my life including writing the script and getting my actors and such.”

Michael (MikeyPod) : “It depends on what you are doing. When I first started I liked to do interviews, those took a good deal of time. I had to contact the person I wanted to interview, arrange a time that worked for both of us, research the person, do the actual interview, edit it and then post the interview. It was really rewarding and I met some really cool people that way, but, man, that's alotta work! Now I do mostly music shows which are much easier as I can do it on my own schedule. It takes some time to contact artists and labels for permission, and then choosing songs and putting them in a sequence I like (I'ma little fussy about this), but all in all, it's a much quicker process.”

6) How do you increase your ratings/number of listeners?

Eban (RFL): “Unlike the movie Field of Dreams , just because you build it does not mean they will come. You have to earn your audience. Work it . Get into sweat equity . Meet others, both online and in the real world and always have your elevator pitch ready. Be excited when you talk about your show and let others feel it.

Social network and get the word out that way with other podcasters and social networkers. Never talk about your show as if you are apologizing, or as if your show is inferior to others. Self deprecation is not a great way to get people to listen to your show. Always act as if yours is the shiniest and best show around. Your show is as good, and oftentimes better than shows that are more popular. Act like it.

Always engage your listeners . Don't ever hold back, people can tell when you are faking it. If you are wild, be wild, if you are funny, be funny, if you are quiet, be quiet, if you are controversial, be controversial. Don't pretend to be something you are not, or that you wish you were. Be yourself.

Remember your SEO . The search engines still to this day only see and catalog your text. They can't see your video or audio content, so use your show notes to your advantage. Write in simple and complete sentences and don't try to game the system by keyword stuffing . Write your notes naturally. Use tags to your advantage. Get an account with Feedburner and set it up for podcasting. Set all the iTunes options. Get a Technorati account and claim your site.”

Michael (MikeyPod): “Honestly I really worried about subscribers and downloads much more in the beginning. I think of it more as a hobby now and rarely check my numbers. The things that helped in the past tho were interacting with other podcasters, and social media sites . One thing I have noticed with Twitter is that if I make an effort to really interact with people there, other users are more likely to follow me.”

7) What has been the biggest challenge for you since starting your podcast? How did you overcome this ordeal?

Eban (RFL): “This may sound weird, but I don't abide challenges. There will always be tech glitches and such, but those things are no big deal. If a serious challenge comes up while I am producing a show I just walk away and move on. This is fun for me, if it stops being fun, I take that as a sign and go into my next project. I have many times abandoned a show that was not working and then came out with a different show instead that just rocked. At first I would stick with shows that were not working and the finished product was never really good. Keep it fun is my advice.

The only other challenge that every podcaster needs to deal with is growing a thick skin. There will be haters. Not just mean people or people you don't know, but even some close to you that feel they are being constructive in their criticisms or may just be jealous. Don't let it get to you, ever. That is of course easier said than done. A million people can tell you that you are doing well, but if one person attacks you, guess which one sticks in your head most of the time.”

Michael (MikeyPod): “I think the hardest thing for me was when I would put out a podcast with a topic I was extremely passionate about that got me little feedback. I would be so fired up about something and expect the whole world to stop and go up in arms with me. I found myself getting really angry with my friends and just society in general because they weren't responding the way I wanted them to. I think that's a big part of why I switched to doing just music podcasts. That doesn't feel balanced either, but for now, it's a good solution.”

8 ) Do you have any examples of moments that made you feel “This is why I love podcasting!”?

Michael (MikeyPod): “There are a couple of them. When I first moved to NYC from Houston in 2006 I connected with Eve Beglarian , a composer that I loved and had interviewed for the podcast . I wound up living with her for my first summer there as she needed someone to keep an eye on her apartment and I didn't have any money to pay rent. We've become friends and she has become a sort of mentor for my own composing.

I lived at Koinonia Partners , an intentional community in Americus, GA for several months before I got to NYC. That was another experience that I might not have had were it not for podcasting. I was lucky enough to get to interview Habitat for Humanity founder, Millard Fuller before he passed away. Talking with him was one of the more meaningful moments of my life. He was tremendously inspiring.”

9) Πού νομίζετε ότι το μέλλον του podcasting πρόκειται;

EBAN (RFL): «Αυτό το θηρίο που είναι το podcasting είναι σχεδόν αγνώριστη από ό, τι ήταν στην αρχή. Όντας ένας από τους πρώτους και να δει όλες τις αλλαγές στην πορεία, πραγματικά δεν μπορώ να απαντήσω. Είμαι όμως περίεργος να δω όπου ηγείται επόμενο. Το podcasting είναι πραγματικά συναρπαστική, ακόμα και τώρα που δεν είμαι τόσο δραστήρια όσο ήμουν κάποτε. "

Μιχαήλ (MikeyPod): "Αυτό είναι ένα πραγματικά ενδιαφέρον ερώτημα για το οποίο έχω μια πολύ κουτσός απάντηση: ποιος ξέρει;! :-) Σοβαρά τώρα, νομίζω ότι το πραγματικά μεγάλο πράγμα για το podcasting είναι ότι μπορεί να είναι ό, τι θέλετε να είναι. Για μένα, είναι ένας πολύ καλός τρόπος για να μοιραστείτε τη μουσική που αγαπώ με τους άλλους. Για κάποιον σαν τον Cliff Ravenscraft (που προανέφερα), βρήκε έναν τρόπο να κάνει το podcasting μοναδική πηγή εισοδήματός του και να φτάσει τόσοι πολλοί άνθρωποι σε πραγματικά εμπνέει τρόπους. Έτσι, επειδή είναι ένα ιδιαίτερα ευέλικτο μέσο, ​​γίνεται όλο και πολλά διαφορετικά πράγματα για πολλούς διαφορετικούς τύπους ανθρώπων. "

10) Τι συμβουλές έχετε για έναν καλλιτέχνη σαν και μένα που θέλει να ξεκινήσει το δικό τους το podcast;

EBAN (RFL): «Απλά πηγαίνετε για αυτό. Ξεκινήστε την παραγωγή και μάθετε καθώς πηγαίνετε. Χτίστε την ορμή σας και ποτέ δεν κοιτάμε πίσω. Έχοντας πει αυτά, μην το πιέζετε, εάν δεν λειτουργεί αυτή τη στιγμή, απλώς μετακινηθείτε στην επόμενη στιγμή σας και το ροκ.

Δεν είναι φιλοξενία σας, τις συσκευές σας, ή οποιουδήποτε άλλου εξωτερικού παράγοντα. Είναι ο ενθουσιασμός και το περιεχόμενό σας. Κάντε το διασκεδαστικό και ενδιαφέρον και όλα τα υπόλοιπα θα πέσει στη θέση του.

Είμαι πάντα στη διάθεσή σας μέσω e-mail στο ebancrawford (at) gmail (dot) com για να βοηθήσει κάθε podcaster που μπορεί να έχετε απορίες. Δεν μπορεί να παράγει όσο εγώ κάποτε, αλλά αγαπώ ακόμα το podcasting και βοηθώντας τους άλλους που μπορεί να ξεκινάμε. "

Μιχαήλ (MikeyPod): "Να, όπως η Nike και μόλις το κάνει. Πραγματικά πιστεύω ότι η δράση προηγείται έμπνευση μερικές φορές. Θα είμαι πραγματικά ενδιαφέρονται για να δούμε τι έχετε καταλήξει και να προσπαθήσουν να σας για κάποια έμπνευση, επίσης, η εστίαση μετατοπίζεται μου περισσότερο προς τη δημιουργία δική μου μουσική. "

***

I think I'm ready to start creating my first podcast! I already have WordPress installed on my website (thanks to my awesome web guy, Byron McQuay at OneDesign ), recording and editing gear, lots of guests to draw content and inspiration from and social network with, and now some great insights into the challenges and rewards that lie ahead :) (I also dug up some helpful hints from the itunes website that you might find handy).

Big thanks to veteran podcasters, Eban Crawford ( Reaching For Lucidity | on Twitter -> @RfL_Productions ) and Michael ( MikeyPod | on Twitter -> @MikeyPod ) for sharing their experiences and advice!

Happy long (Victoria Day) weekend!

Meghan Morrison
www.meghanmorrison.com
@MegsMorrison

Image “My Mini Podcasting Studio” courtesy of Sebastian Kupers CC-BY-SA 2.0

“I'm just gonna lie here and fish in my mind”…

Sounds like it could be a lyric to a song, doesn't it?

The jelly fish whispered words of wisdom when I put him in my ear.

Είπε, "Έχεις μάθει πολλά για τη θάλασσα, Αγαπητοί μου, τώρα ήρθε η ώρα να χρησιμοποιήσουν πτερύγια σας".

Την περασμένη εβδομάδα δεν ήθελα να το blog ... καθόλου. Όταν δεν θέλω να κάνω κάτι που πραγματικά μου αρέσει, αυτό σημαίνει συνήθως ένα ή δύο πράγματα:

α) Είμαι καεί ή

β) Ο σκοπός του πράγματος αλλάζει

Είμαι ανακουφισμένος να πω ότι αυτή τη φορά είναι η τελευταία.

Είμαι τόσο ενέπνευσε να δημιουργήσει αυτή τη στιγμή (το οποίο είναι αυτό που είσαι καλλιτέχνης είναι όλες περίπου), αλλά το blog μου είναι πολύ « Αριστερά εγκέφαλο » . Αισθάνεται σαν ανάθεσης, αντί του ενός τρόπου έκφρασης.

Τώρα που είμαι 3 άρθρα σε μηνιαία στήλη μου στο ραδιόφωνο της Γυναίκας , αισθάνομαι την ανάγκη να χωρίσει τον εγκέφαλό μου λίγο περισσότερο για τα έργα αυτά. Τα άρθρα σχετικά με WomensRadio είναι οι πόρων με βάση τους λογαριασμούς της περιπέτειας μου που ελπίζω ότι άλλοι ανεξάρτητοι μουσικοί θα βρείτε χρήσιμες. Είναι καιρός, όμως, γι 'αυτό το blog να γίνει μια πιο προσωπική και δημιουργική αναπαράσταση αυτού που είμαι ως καλλιτέχνη και ως άτομο? Μια σύντομη, εβδομαδιαία εικόνα στο μυαλό μου ότι εκκεντρικά τους οπαδούς μου που δεν είναι μουσικοί μπορούν να αφορούν, μαζί με τους μουσικούς μου (γιατί είμαστε όλοι λίγο περίεργα με τον τρόπο μας, δεν είμαστε;).

Μία εβδομάδα μπορεί να είναι ένα ποίημά του που βασίζεται γύρω από μια εικόνα του εαυτού μου να κάνει κάτι ανόητο. Μια άλλη εβδομάδα μπορεί να είναι κατ 'ευθείαν επάνω φιλοσοφία και τον προβληματισμό. Ίσως μερικές φορές θα είναι ένα κομμάτι της τέχνης που έχω δημιουργήσει ή ένα τραγούδι που έχω γράψει ... θα μπορούσε να είναι οτιδήποτε. Θα είναι ό, τι έχω εμπνευστεί από, όχι μόνο να σκεφτόμαστε.

* «Δεν μπορώ να σκεφτείτε ακόμη και για παρυδάτια τώρα. Είμαι απλώς θα βρίσκονται εδώ και ψάρια στο μυαλό μου. "Είναι μια φράση που επίασε το μάτι μου όταν το ψηφιακό" το ψάρι στο αυτί μου είπε ". Είναι στη σελίδα 77 της παρούσας έκδοσης του F Εφαρμοσμένη και της Stream και ειπώθηκε από τον ψαρά, Colby Lysne.

Meghan Morrison

www.meghanmorrison.com

Με την ψηφιακή επανάσταση αλλάζει κατά πολύ το πρόσωπο της μουσικής βιομηχανίας, καθώς και το πώς αντιμετωπίζουν τους οπαδούς και να χρησιμοποιήσει τη νέα μουσική, είναι επιτακτική ανάγκη για τους καλλιτέχνες να «συμβαδίσει με την εποχή». Και, με την ευκολία του Διαδικτύου και η λήψη, υπήρξε μια βασική ώθηση τα τελευταία χρόνια να παραδώσει το φρέσκο ​​περιεχόμενο για τους οπαδούς σε πιο συχνή βάση, προκειμένου να παραμείνουν στο ραντάρ τους και χορταίνω την επιθυμία τους να έχουν περισσότερο από το καλλιτέχνης. Αλλά, είναι ένα σημείο όπου δουλεία γίνεται ασύμφορη στη νέα μουσική βιομηχανία εκεί;

Την περασμένη εβδομάδα, διάβασα ένα άρθρο από Μινχ Chau που ονομάζεται " Το πρόβλημα με την απελευθέρωση ενός ενιαίου κάθε μήνα ". Αντανακλάσεις Chau σχετικά με το εάν είναι καλύτερα να υποκύψει στην ευκολία με βάση την κοινωνία μας ή να πάρετε μια προσέγγιση «ελεγχόμενη ενόχληση» βοήθησε θέσει τέλος στη συζήτηση που έχει στο πίσω μέρος του μυαλού μου εδώ και αρκετό καιρό τώρα.

Ξεχωρίζει είναι ο λόγος για τον οποίο πολλοί άνθρωποι που αγοράζονται άλμπουμ στο παρελθόν. Ήθελαν ένα τραγούδι, αλλά έπρεπε να αγοράσει ολόκληρο το άλμπουμ για να το πάρει. Σήμερα, κανείς δεν χρειάζεται να αγοράσει ένα ολόκληρο άλμπουμ πια ... δεν χρειάζεται καν να πληρώσει για αυτήν, διότι είναι τόσο εύκολο να κατεβάσετε μουσική παράνομα. το iTunes, ιστοσελίδες καλλιτέχνη, και άλλα ηλεκτρονικά βιβλιοπωλεία κάνουν πολύ εύκολο να τραγούδια δείγμα και να αγοράζουν μόνο αυτές που σας αρέσει.

Έτσι, εάν οι άνθρωποι αγοράζουν μόνο ένα ή δύο τραγούδια, γιατί ο καλλιτέχνης θα θέλετε να ξοδέψετε τόσα χρήματα σημειώνοντας ένα πλήρες άλμπουμ; Γιατί να μην ανταποκριθεί στους φιλάθλους και να τους δώσουμε ένα νέο single κάθε μήνα; Ακόμη και με τη δική μου ισχυρή συγγένεια για τον ρομαντισμό του άλμπουμ, αυτό είναι κάτι που μου είχε κάνει εξέταση για το καλό του »σύμφωνα με τους χρόνους». Ο κίνδυνος με αυτό, τώρα βλέπω, είναι διττός:

Πρώτον, είναι δύσκολο να δημιουργήσει buzz και τον ενθουσιασμό γύρω από ένα ενιαίο δελτίο κάθε μήνα (βλ. άρθρο Chau του ). Ο χρόνος και τα χρήματα που απαιτούνται για την προώθηση της μουσικής μου σωστά ως σύνολο θα ήταν άχρηστες, γιατί θα προχωρήσουμε στην επόμενη έκδοση πριν από το buzz από το πρώτο έχει τρέξει την πλήρη πορεία του. Επίσης, υπάρχουν περισσότεροι τρόποι για την προώθηση του άλμπουμ (και τα singles σε αυτό), το οποίο θα μου επιτρέψετε να δημιουργήσουμε νέους τρόπους για να συμμετάσχουν ανεμιστήρων κάθε εβδομάδα / μήνα ενώ παράλληλα προωθεί ένα μεγαλύτερο σώμα της τέχνης μου.

Secondly, by becoming a servant to the fans … I become a servant to the fans… and I devalue my own work (see Herbert's article ). Don't get me wrong, I want to be giving with my fans and serve a purpose in their lives, but that doesn't mean I should make myself a slave to that effort. Fans value artists that they see as leaders, role models, and strong, inspiring individuals… not as pan handlers. I want to inspire, not beg.

Because people today expect to have free access to any kind of information or digital file at the touch of a finger, the things they can't have on demand become more valuable (if the product is good). According to Wary Herbert 's research, valuing something through a sense of scarcity may be part of our human nature. Antiques and diamonds are expensive and valuable because they're not easy find. They are desired because of their inconvenience and limited supply.

As such, it still makes sense in the age of downloads to release a full album once every 1-2 years. Unless, of course, your artistic vision dictates otherwise. Sean T Wright is a good example of how a goal-oriented monthly release can challenge an artist and draw attention to one's work.

In summary, I'd rather be a boat with oars and sails navigating my course on the moving waters, than a duck's feather that floats (and gets pulled under) at the whim of the current. We are almost finished writing the next album and that is exactly how we will be releasing it :)

Until next week,

Meghan Morrison

www.meghanmorrison.com
@MegsMorrison

Hashtag # Tweet aiimm να μοιραστείτε τις δικές σας περιπέτειες Στην Ανεξάρτητη Μουσική Δημιουργία

Εικόνα « BSS 01 "από την Ana Gilbert ευγένεια της Black Diamond Buraka του . Άδεια CC-BY-SA 2,0

Σε ένα blog πρόσφατα μου διαβίβασε από την Στιχουργών Συλλόγου του Καναδά , ο παραγωγός Ντάγκλας Romanow συζητηθεί »του κανόνα μάγου # 2 για τραγουδοποιούς », δηλώνοντας ότι τραγουδοποιοί θα πρέπει να" μην πραγματοποιεί ποτέ το ίδιο τέχνασμα δύο φορές για το ίδιο κοινό "και συνέστησε συν-γραφής μια στρατηγική για την ανάπτυξη νέων «κόλπα».

Έχω συνεργαστεί με άλλους μουσικούς στο παρελθόν, αλλά μέχρι την περασμένη Παρασκευή, ποτέ δεν είχα συν-γράψει ένα τραγούδι με κάποιον από το μηδέν ... Υποθέτω, όμως, υπήρχε αυτή η μία φορά ότι ο αδελφός μου και έγραψα μια παρωδία των αετών Eye Cherry του " Αποθήκευση απόψε ". Ήμασταν νέοι και ανόητο, τόσο φυσικά παράδοση μας μετατράπηκε σε ασήμαντο χιούμορ (συμπεριλαμβανομένου ενός λυρικού για λεκάνες τουαλέτας είναι στην πυρκαγιά).

Υπάρχει μεγάλη υποστήριξη στη βιομηχανία για την από κοινού συγγραφή, ειδικά από στούντιο ηχογράφησης, οι παραγωγοί και οι ενώσεις στιχουργικές. Όπως λέει και η παροιμία, δύο κεφάλια είναι (συχνά) καλύτερα από ένα, έτσι ώστε η επίλυση προβλημάτων γίνεται όλο και πιο καρποφόρα (εκτός αν τα μυαλά στο κεφάλι τους απλά δεν τζελ) και έχοντας κάποιος να σπάσουμε ιδέες μακριά μπορεί να δώσει νέες προσεγγίσεις στην τέχνη του. Επιπλέον, συν-γραφή με έμπειρους συνθέτες που είχαν εμπορική επιτυχία με τα τραγούδια τους μπορεί να είναι μια απίστευτη εμπειρία μάθησης και μπορεί να ανοίξει τις πόρτες σε επαφές για την τοποθέτηση τη δική σας μουσική. Υπάρχουν μια σειρά από άλλα οφέλη, που Μπρόνσον Herrmuth συνόψισε σε μια μεγάλη λίστα με τους λόγους για να συν-γράψει.

Έχω θελήσει να συνεργαστεί περισσότερο με άλλα μυαλά songwriting πρόσφατα. Έτσι, φυσικά, ήμουν ενθουσιασμένος που θα κληθούν για μια ημερομηνία συν-γραφή με Heather Χιλ (υπότροφος SAC μέλος. Απέδωσε επίσης στην εκπομπή μου στο τέλος της σεζόν 1 )

Εκτός από το αίσθημα λίγο ανασφαλής στην ικανότητά μου να συν-γράψει, επίσης, ήμουν στη μέση της τελικής τους στίχους σε ένα τραγούδι που γράφω για το επόμενο άλμπουμ και ανησύχησα ότι δεν θα ήμουν σε θέση να μετατρέψει αυτό το τραγούδι μου μακριά σε το κεφάλι για να δημιουργήσει κάτι φρέσκο. Heather, από την άλλη πλευρά, συν-γράφει συχνά και με πολλούς ανθρώπους. Όπως μια πραγματική επαγγελματική, ήταν πολύ έτοιμη και είχε πολλές ιδέες για θέματα που έχουν ήδη κατέγραψε πρόχειρα πριν έρθω.

Heather ήταν πραγματικά εμπνεύστηκε για να γράψει ένα τραγούδι που εξέφρασε την εκτίμησή του για τις ισχυρές γυναίκες που εργάζονται σκληρά, αλλά δεν αναγνωρίζονται πάντα για αυτό. Με τον τρόπο που ανάβει όταν μιλάμε για τη συγκεκριμένη ιδέα το τραγούδι, ήξερα ότι ήταν το τραγούδι που έπρεπε να γράφουν μαζί. Θα πρέπει να πάμε με αυτό το είδος της ενέργειας.

Ξεκινήσαμε κάνοντας μια ελεύθερη μορφή καταιγισμού ιδεών. When writing for myself, I would normally start with object writing , create a word cloud with the ideas and phrases that jump out at me , and then build the brainstorm out from those core words/phrases. This time, I thought I would embrace the opportunity to try something different and let myself bounce between the approaches throughout. This resulted in a few short object writes for character development and some messy word clouds that somehow turned into a poem. Heather used the Internet as a resource and pulled out some idioms and other themes from cyberspace .

As we shared our outcomes with each other, we made notes about the ideas and words that struck us as being compelling, paying particular attention to ideas that could become the “ hook ” of the song. Then we attacked the verses, choosing to base each verse around different characters that shared the same basic experience of being strong women who aren't always recognized for their strength and may not see it in themselves.

With the idea in mind that some women go above and beyond the workload of the average woman, we constructed the song in such a way that, when read together, each of the verses could represent a different point in the same person's day (representing their overwhelming workload) OR be viewed as a snapshot of three different peoples' experiences throughout any given day. The chorus takes a step out of the individual character's situation and is a third party recognition of their efforts and qualities of strength.

I was surprised at how quickly the first draft came together. After 4 hours and two delicious banana muffins (baked by Heather) we had the whole thing typed on the computer and ready for melody experiments. Using a computer for writing lyrics was also a new experience for me, as I always veer for pencil and paper. It was fast though, being able to copy and paste, and seeing the full structure laid out on the whole page made it easy to see where the structure was going. I may attempt this approach again on my own when I try out the MasterWriter software.

See you next week,

Meghan Morrison

www.meghanmorrison.com
@ MegsMorrison

Hashtag # Tweet aiimm να μοιραστείτε τις δικές σας περιπέτειες Στην Ανεξάρτητη Μουσική Δημιουργία

Image “ Two heads are better than one ” courtesy of Darron felon . License CC-BY-SA 2.0

This weekend was exactly what I needed to refresh my songwriting mind. Trying out some of the suggestions offered to me in the comment section of last week's blog, “ Gigging During a Songwriting Phase “, we (the band) decided to test drive a couple of our new songs (one of which hadn't been finished, let alone performed, yet) during the Wonder Women showcase (organized by one of our loveliest webcast guests, Arlene Paculan ). It was a smash success. The audience responded to the new songs with great enthusiasm and it was the exact boost I needed to get my mind out of the “I'm tired of playing my old songs” funk.

Now, with that weight lifted, it is time to shift into writing high gear and who better to look to for output advice than the man who has written, recorded, and released 48 full length albums in just as many months?

50 Albums in 50 Months

Sean T Wright is a fellow Music Success in 9 Weeks Blog Challenger who I became acquainted with last fall. At the time, he was well on his way to achieving a very lofty goal: 50 albums in 50 months . Now at 48/50 albums, he has established himself as perhaps one of the most dedicated and determined musicians in the world-wide independent scene. The man is king of output. Not only has he released over 1000 songs since 1979 (which you can download for free from his website ), but he has also published 12 novels and created 1000 pieces of fine art.

As someone who is having difficulty managing their time to produce even one album since January, I was compelled to pick the brain of this prolific British artist… and he was kind enough to let me!

A Conversation on Writing with Sean T Wright

What inspired you to write 50 albums in 50 months?

Now that's a good question, and one that doesn't have a simple answer. I started out wondering if I could write 12 albums in 12 months. That first 12 months was the toughest, in the sense of getting into a creative routine, learning to write from the heart. Once I'd completed 12 albums, I then thought: is 24 albums possible in 24 months? I want to find out! I'd like to think that I'm an explorer, stepping out into unchartered songwriting territory.

How did you approach the structure for each album?

I'm not sure why, but I choose 12 tracks per album. It kinda felt right. I guess if I'd chosen 10 tracks per album, then I'd now have 57 albums instead of 48 albums! I try to write albums, not just a collection of random songs. While the song topic may vary a lot on each album, I try to use a limited selection of instruments per album, so that they gel with other tracks on the album. For example, one album might be electro in flavour, whilst the next pop, or rock, or acoustic.

How did you work through daily life distractions in order to put out each album month after month over such a long term?

I've always been focused and obsessed with my music. I set aside time most days to write and record – 2 to 3 hours a day. I work very fast in the studio, almost manically, like a painter at his blank canvas, splashing on textures and colours of sound.

How did you deal with writer's block?

Seriously, I don't get it! If I pick up a guitar and strum out a few chords, the rest follows – words, melody, and structure. I have always had a LOT to say, about all kinds of things. I write predominantly about my life, how I feel, at any given moment. So if I feel angry, then out comes the angry song. If I'm at peace with myself, then that song pops out, too. What I don't do is analyse what I write, or try to mould it to a genre or style.

Do you do any creative writing exercises? If so, what are they?

I don't have exercises as such, but I do have routines. One routine is FAWM – the February Album Writing Month – where songwriters try to write 14 songs during the month. Then there's 50/90 – a twin of FAWM where songwriters are challenged to write 50 songs in 90 days from July to October every year. These two online communities are brilliant places to meet fellow songwriters, collabs, and general support.

Personally, though, I write songs in three ways.

Method One : Depending on my mood, I grab my acoustic guitar and hammer out the words and melody, structure and so on. Then I record it while it is very fresh. It may become a fully arranged song, or just a simple vocal acoustic number.

Method two works like this: I grab my guitar, tap out a click track on my digital recorder, then record a bunch of chords straight through, all on instinct – for example, chorus, verse 1, bridge, chorus, verse 2, bridge, chorus x2, mid 8, chorus x2 etc. After that, the rest of the song takes shape, as I add layers of instruments, drums, synths, guitars etc.

Method three : I create beats, whole song structures in EZ Drummer, then record these to tape. From those beats I write songs around them, adding other instruments, and finally vocals, with no idea of melody or lyrics until the basic backing track is done. So I typically have drums, bass guitar, two electric or acoustic guitar parts done before I lay down vocal parts. Other instruments may follow, depending on how the track is working. I try not to overload the song with a multitude of parts. I believe in the old adage that less is more. It's what you leave out that makes a song.

How did you keep up with the demands of MSI9W and your own writing challenge?

I just did it! lol! Seriously, I applied the same focus to the Music Success In Nine Weeks challenge. Focus and obsession!

Please describe your recording, mixing, and mastering process.

I'm very old school. I like to start out with a flat board, then shape each sound from there. So drums and bass have to be sonically happening before I move on to the guitars, synths and anything else. I always mix the vocals last, so that they sit in the track as I want them. I like doing different things with vocal mixes – hate reverb! But love chorus in small amounts, which glue vocals together.

I was weened on analogue reel to reel tape machines many years ago, so my ears seek warmth and depth, which recording equipment like Teac and Studer provide. I use the Studer A800 plug-in for recording, mixing, and mastering. There is nothing out there in the digital world to compare, if you want old school warmth and fusion of sound.

On my early CDs (albums 1 to 18), acoustic guitar was recorded in stereo or multi-tracked up to 4 times, usually with mics in XY configuration, panned 50-50%, or often one guitar laid over the other in the mix. A lot of listeners have mistaken the two six string guitar tracks for a twelve string. I crank the middle up as far as it will go to get some punch. I love single tracked acoustic guitar, too, which you can hear on tracks like “I Keep Wondering”, “Lakota Holy Man”, or “Looking Out For You.” ( which you can find alphabetically in his Song Tree )

Vocals are recorded in a variety of ways. Sometimes I get up within an inch of the mic, to get a breathy whispered tone. Othertimes, I'ma foot back when I blast it out! I don't use compression much, if at all. I often use a delay to give sparkle and life. The Boss Delay is rather versatile. I often doubletrack lead vocals as well. I prefer dry vocals and only use reverb now and again for effect on the odd word or line.

Electric guitars are straight into the COSM effects unit. My fav setting is the preset Jazz sound, which has a bit of bite distortion-wise, but remains relatively clean. One thing I try to do is to keep a similar guitar sound per album, to unify things I guess.

My mixdowns are one way or the other per album. Either I use the Boss BR1200 , or the Ableton Live on my computer. With the exception of the album “Underground” which was mixed in Protools, most of my mixdowns have been done on the Boss BR1200 . But from album 28 “ Parkour ” I used Ableton more and more for mixing.

Because I work so fast with the album-a-month project, I need software and equipment I can trust and use swiftly. The Boss BR-1200 , and Ableton Live do the trick for me! ( see below for a more detailed list of gear and progams Sean likes to use )

How did you approach the album art?

My album art comes from many different sources. Some is unique, commission artwork. Other album covers are my own personal photos or even artwork. Some is creative commons (royalty free) stuff, which I feel fits a certain type of album/theme. I was trained as a graphic designer in my teens, so I know a bit about layout and typography.

What impact has the overall experience had on you as a songwriter?

Writing, recording, and releasing so many albums in such rapid succession has been a very positive experience. It has taught me one major thing: there's no point waiting for inspiration. It's already there, waiting to be grabbed out from the dark into the light. Because I have written at least three fully recorded songs every week for the past 4 years, I think my songwriting is stronger now than ever. The response I've had from tens of thousands of people has made the biggest impact on me. There's been almost 1 million free downloads of my music via the internet, which means there are a lot of folk out there listening.

What advice do you have for me, an artist going through a writing phase right now.

Εμένα; Giving advice? Well, I believe that literally anything goes. The creative process for each individual is a very personal thing. For me, I work from my heart, on the spur of the moment, in that moment. It's an honest approach. I don't try to force songs in a premeditated direction. I believe in the organic approach. I feel strongly that the songs are already there, hiding in the shadows of the unconscious, lurking like shy creatures, afraid to voice their shape and form. I'm like a song-catcher, rescuing them from a dark place and coaxing them out into the light, so that others can hear them.

________________________________________________________________________

Gear Sean Likes to Use

(1) AKG C-2000B mic - All vocals and guitars are recorded through it. I love this “for all weathers” mic. Love it! I like to crank up the vocal input so it peaks into distortion, giving a static/driven sound to vocals for a lot of my tracks (listen to “ Beneath The Waves ” on 69 Love Songs Vol 1 as an example). I call my studio Static Queen, an allusion to my songwriting friend – the genius Mark Linkous .

(2) Audio Technica Atus ATR30 cardioid mic – this is an ancient mic that I record acoustic guitars with on my analogue Yamaha 4 track. ( You'll have to get it second hand, as it is now discontinued )

(3) Tannoy Reveal R5A Monitors – Near-field monitors used for mixing down. I also use my pathetic Logitech computer speakers for infrequent mixing. But my real workhorse is the Technics RP – F400 headphones .

(4) I love my Boss BR-1200 digital recording studio , with it's super COSM guitar effects unit. But I also use a PC recording rig with Ableton Live 8 . I adore Live's effects and sound/instrument library – especially the strings sections. I play every instrument (unless credited otherwise), and love tracking. I have Protools with a whole host of software that includes Melodyne, but I use it very infrequently (listen to my album “ Underground ” as an example).

(5) I use Arturia's Analog factory programme (wonderful Yamaha CS-80 sounds), controlled by my equally wonderful Axiom 25 , which controls all of my computer-based software. Since album 28 “ Parkour ” I have used Toontrack's superb EZDrummer for the majority of my drums. I love it! So authentic! Before EZDrummer I used a host of drum loops imported into the Boss or Boss' EZ Compose programmable rhythm.

(5) I tend to record my acoustic guitars on an old Yamaha MT100 analogue 4 track recorder , which gives a warmth and richness, then transfer to digital. Good examples are to be found on my album HELLO , where warmth, tape hiss, and natural distortion abound!

__________________________________________________________________________

Big thanks to Sean for sharing his ideas and insight into the creative process. I am officially setting aside 2 hours today just for writing, no interruptions allowed!

Meghan Morrison

www.meghanmorrison.com
@ MegsMorrison

Hashtag # Tweet aiimm να μοιραστείτε τις δικές σας περιπέτειες Στην Ανεξάρτητη Μουσική Δημιουργία